Der in Hamburg lebende Geiger, Komponist und Bildende Künstler Hans-Christian Jaenicke ist ein vielseitiger und eigenwilliger Zeitgenosse. Während seines Studiums u.a. bei der rumänischen Komponistin Violeta Dinescu und dem Chilenen Gustavo Becerra-Schmidt befasst er sich als Geiger intensiv mit Tango argentino, mit der Spielpraxis der Barockgeige, mit freier Improvisation und mit Neuer Musik. Er arbeitet mit Musikern wie dem Dirigenten David Coleman (London), Rachel Evans (Meridian String Quartet/NY), dem Cellisten und Komponisten Graham Waterhouse (London Philharmonic Orchestra) zusammen. Durch die Mitwirkung bei Ur-Aufführungen kommt es zur Begegnung mit einem der wichtigsten Komponisten und Architekten des 20. Jahrhunderts – mit dem 2001 in Paris verstorbenen Iannis Xenakis, der ihn nachhaltig beeindruckt.

2005 erscheint bei Tropical-SONY/BMG seine CD „TANGO 040“, die er mit dem langjährigen Duo-Partner Jörg Siegloch am Akkordeon als DUO diagonal aufgenommen hat. Wer dieses poetische Album noch im Ohr hat, der erinnert sich an jazzige und klangschöne Tango-Balladen, intime Arrangements von Tangoklassikern wie „Malena“ oder der „Balada Para Un Loco“ von Astor Piazzolla.

Mit dem vor kurzem erschienenen Album „Bach Tunes And Free Tango“ zeigt sich Jaenicke mit einem neuen, viel versprechenden Ensemble, dem FLUTTERBAND TRIO und auch mit einem neuen Sound, irgendwo zwischen Piazzolla und Kronos-Quartett. Wieder ist es klangschöner Tango, aber die Grundrichtung hat sich verschoben: Die Harmonien sind härter, die Rhythmen klarer, die Melodiebögen weiter und freier. Die Besetzung diesmal: Der junge Franzose Cyrille Guignard am Piano, dessen Anschlag immer ein wenig die Beschäftigung mit romantischen und impressionistischen Komponisten durchscheinen lässt und am Kontrabass der stilistisch flexible Bernd von Ostrowski, der bereits in den 70er Jahren mit Jazz-Legenden wie Ornette Coleman, Charlie Haden und Don Cherry zusammenarbeitete und darüber hinaus sich mit dem Violone als gefragter Barock-Experte einen Namen gemacht hat. Die Intensität der Musik wird jedoch zum großen Teil  von Jaenicke selbst bestimmt. Er zeigt sich hier als einfallsreicher Erzählkünstler und Magier der Klangfarben, wie man es gerade im Jazz selten findet.

In dieser Zusammensetzung so unterschiedlicher Musiker sind die Klang-Möglichkeiten, die sich diesem Trio bieten, schier unbegrenzt und man hört in jedem Stück den Spaß der drei Musiker, die Facetten der Besetzung durchaus extrem auszuloten. So lässt Guignard am Piano in einem ätherischen Solo die einzelnen Töne der berühmten Bach-Ciaccona ineinander verschwimmen, Jaenicke zieht mit der Violine darüber eine silberfarbene Linie in höchster Höhe, von Ostrowski lässt seinen Kontrabass in archaischen Untiefen einen Tango-Rhythmus pochen – unheimlich und schicksalsschwer. Aus diesem zart-morbiden Klang entwickelt sich plötzlich ein packender Sound. Cubanischer Son, Spielfreude und ausgelassene Dialoge zwischen den Akteuren sprudeln aus den Instrumenten. Immer wieder gehen die drei Virtuosen dabei an die Grenzen des Spielbaren.

Vor der Tango-Legende Carlos Gardel verneigt sich das Trio zweimal auf diesem Album. Der Tango MI BUENOS AIRES QUERIDO wird zusammen mit dem Presto aus Bachs g-moll-Suite zu einer turbulenten Milonga, beiläufig, wie dieses kompositorische Kunststückchen einfach so passiert. Das zweite dem Sänger Gardel gewidmete Stück ist sehr experimentell und trägt den Titel: „FREE I – YO SOY CARLOS GARDEL“. Ausgangsmaterial war hier der Sprachrhythmus der letzten öffentlichen Worte Gardels im Rundfunk, bevor er am 24 Juni 1935 bei einem Flugzeugunglück ums Leben kam. Durch ein freies Kompositionsgeflecht zieht sich dieser Sprach-Rhythmus wie ein roter Faden – lyrische, freitonale Passagen und treibende Tangonuevo-Episoden schaffen ein reizvolles, nicht widerspruchsloses Portrait dieses unnahbaren Menschen „Carlitos“.

Doch schon wechseln wieder die Farben des Flutterband-Trios: Die „C-Dur-Sonate für Violine solo“ von Johann Sebastian Bach erklingt als Tango-Cancion. Als Hauptmotiv dient hier allerdings nicht das Bach’sche Original, sondern das Jagdsignal „SAU TOT“, das wie bei einer Jagd virtuos durch unwegsamste Harmonien getrieben wird. Dieser artistische Witz und die oft grotesken Einfälle, die sich durch das ganze Album ziehen, erfrischen die melancholisch-poetische Grundstimmung und machen diese Musik zu etwas ganz Eigenem bzw. Unverwechselbarem. Wer wissen möchte, wie es mit dem Tango jenseits der Elektroschiene weitergeht, der sollte das Flutterband Trio schon einmal gut im Auge behalten.

CD-Info:

Genre: Tango/Klassik/Weltmusik/Crossover

Ensemble: Flutterband-Trio

Hans-Christian Jaenicke – Violin
Cyrille Guignard – Piano
Bernd von Ostrowski – Doube Bass

Titel: “Bach Tunes And Free Tango”

VÖ: 15.11.2010
edition 46, Best.Nr.: Ed46 46005

Track-Liste:

1 INTRODUCION
quasi Sarabande-Double (BWV 1002, h-moll)

2 TANGO
quasi ADAGIO (BWV 1002, h-moll)

3 TANGO-CANCION
„SAU TOT” quasi LARGO (BWV 1005, C-DUR)

4 TANGO
quasi FUGA (BWV 1001, g-moll)

5 VALSE
quasi SICILIANA (BWV 1001, g-moll)

6 MILONGA
„MI BUENOS AIRES QUERIDO”
quasi PRESTO (BWV 1001, g-moll)

7 FREE III
TANGO A DUE VOCE

8 FREE II
REGGAE FLAVOUR

9 FREE I
„YO SOY CARLOS GARDEL”

10 TANGO Y SON
QUASI CIACCONA (BWV 1004, d-moll)

Weitere Infos unter:

www.flutterband.de
info@duo-diagonal.de

“Songs of Hope Desperation and Love”, das neue Soloalbum von Frank Schwinn, ist ein klassisches Trennungsalbum, wobei sich der Großteil der Songs mit den Jahren nach der Trennung einer langjährigen Beziehung beschäftigt und mit den Wirrungen eines Mannes, der sich emotional eingebunkert hat und doch auf flüchtige Affären nicht verzichten kann.

Die Songs sind wütend, sarkastisch, desillusioniert, teils voller Wahnsinn, teils voller Melancholie und nie ohne Selbstironie. Und so auch der Gesang.

“Much too beautiful” ist dann der Song, der den Kreis der Neufindung schließt und uns versöhnlich stimmt, deutet er doch auf eine neue emotionale Heimat hin.

Musikalisch ist das Album geprägt vom Blues, großteils gespielt auf einer billigen 3-saitigen “cigar box slide guitar”, live im Wohnzimmer aufgenommen – und zwar innerhalb zweier Wochen auf analogem Equipment bis hin zur Bandmaschine. Auf den Songs “much too beautiful”, “living in this country” und “don’t stifle me” kommt noch eine alte Drum-Maschine zum Einsatz, die der CD auch die Undergroundfärbung verleiht.

Wie man es von Frank Schwinn gewohnt ist, groovt die ganze Sache dabei minimalistisch, aber gehörig!

Frank Schwinn studierte an der Anton Bruckner Universität, Linz, von 1989-1993, lebte in Wien von 1993-2001 und spielte mit Uli Rennert, Vienna Art Orchestra, Zach Danziger, Harry Sokal, Gunther Schuller, Bob Berg, Uli Soyka Pan-Tau-X, Upper Austrian Jazz Orchestra etc.

Track Listing:
01. More Time to Hang Around (3:16)
02. No Baby Blues (3:17)
03. Much too Beautiful (4:26)
04. Go Down to the River (4:05)
05. Why Do You Accuse Me (3:05)
06. Living in this Country (4:57)
07. Devil Woman (2:50)
08. Christmas Blues (3:56)
09. Don´t Stifle Me (2:51)
10. You Gotta Quit Him (4:28)
11. Monkey on My Back (3:10)
12. Troubled Man (4:15)
13. In Love with a Woman (4:02)

Nach dem großen Erfolg des KATRIN WEBER TRIO hat die Sängerin und Komponistin Katrin Weber im Winter 2009/2010 ein neues Projekt gestartet: Das Jazzduo WEBER+KIRBERG.

Gemeinsam mit dem wunderbaren Gitarristen Thiemo Kirberg erforscht Katrin Weber nun die musikalischen Möglichkeiten der kleinen Besetzung. Das Duo spannt einen Bogen vom Blues über das Great American Songbook des Jazz bis zum brasilianischen Bossa Nova. Grundlage des Repertoires sind Eigenkompositionen von Katrin Weber.

Weber und Kirberg, beide in Deutschland geboren und aufgewachsen, haben sich in Wien gefunden und bald festgestellt, dass sich hier Möglichkeiten für eine inspirierende und erfüllende musikalische Beziehung eröffnen.

Das Duo hat nun Anfang 2010 seinen ersten Tonträger aufgenommen, die CD „The Girl at the Bar“. WEBER singt deutsche und englische Texte, KIRBERG begleitet stets einfühlsam und geschmackvoll – ganz in klassischer Tradition.

Eine Spezialität von Katrin Weber ist die Neuinterpretation von Jazz-Standards, die den Geist der bekannten Stücke auf oft ungewöhnliche und überraschende Weise erfassen. So wird das berühmte „It don’t mean a thing“ zu „Kein Sinn ohne Swing“ oder „Lullaby of Birdland“ zum bezaubernden „Vogellied“.

Vier Liedtexte stammen vom vielfältig begabten Theaterautor und Regisseur Henry Mason, mit dem Katrin Weber eine langjährige Zusammenarbeit – vor allem am Theater – verbindet. Die Eigenkompositionen sind Kernstücke der CD, „The Girl at the Bar“, ein traurig-trotziger Song über die Frau, die an der Bar übrig bleibt, wurde zum Titellied, beim melancholischen „Zu Asche“ hat Weber Masha Kalékos Gedicht „Kommentar überflüssig“ vertont und „My desperate heart“ bringt die ewige Klage über die seh’nsüchtige Liebe in die Form eines wunderbaren Slow Bossa.

Improvisatorische Freiheit und Interaktion sind beiden MuskerInnen ein großes Bedürfnis. Gerade die Duo-Besetzung bietet WEBER+KIRBERG in dieser Hinsicht viel Raum. Die aufgenommenen Songs sind ohne Frage ein Dokument einer gelungenen Zusammenarbeit.

Das intime Zusammenspiel von Gesang und Gitarre stellt in seiner Transparenz eine musikalische Herausforderung dar, die WEBER+KIRBERG bravourös meistern und damit eine CD vorlegen, die beschwingte, berührende und sinnliche Jazzmomente garantiert.

Lineup:
Katrin Weber, Gesang, Komposition
Thiemo Kirberg, Gitarre

Track Listing:
01. Let´s do it (5:14)
02. The Girl at the Bar (3:55)
03. Lonely Town (4:33)
04. Zu Asche (4:24)
05. Gefüllte Zuchini (FrimFram Sauce) (4:11)
06. Traurigkeit, die jeder kennt (4:55)
07. But Not For Me (5:22)
08. Kein Sinn ohne Swing (it don´t mean a thing) (2:45)
09. My Desperate Heart (5:05)
10. Vogellied (Lullaby of Birdland) (3:29)
11. Agua de Beber (3:28)
12. When You Wish Upon A Star (4:34)

“Musikalische Impressionen im Grenzbereich von Klassik, Minimalismus und Ambient.”

Das neue Album LIGHTHOUSE des Wiener Pianisten, Keyboarder und Komponisten Gerald Krampl, versteht sich als konsequente Weiterentwicklung des Stils, den er bereits in seinem letzten Werk “Innocent Wasteland” begonnen hatte. Den nahezu kammermusikalisch aufgebauten Stücken liegt diesmal allerdings kein übergeordnetes Konzept zugrunde, vielmehr handelt es sich um eine Sammlung einzelner sehr persönlicher Impressionen, die sich im Laufe des letzten Jahres ansammelten. So entstand z.B der Titeltrack “Lighthouse” unter dem Eindruck verfallener militärischer Hafenanlagen in Kroatien, “Walking The Last Mile “nach Truman Capote’s “In Cold Blood”, “Nightpearls” in einer mystischen Nacht voller Sternschnuppen oder “The Guiding Light” nach dem entzünden einer Kerze am Friedhof.

Neben dem klassischen Ansatz, Musik für Klavier + max. zwei Streicher zu schreiben, wird dieses relativ minimalistische und sehr ursprüngliche Klangbild aber wieder mit zusätzlichen elektronischen und Natursounds zu intensiven musikalischen Stimmungsbildern erweitert. Und natürlich finden sich auch wiederum etliche Anklänge an Geralds jahrelange Beschäftigung mit spiritueller und meditative Musik mit seinem Agnus Dei Projekt für “Musik & Poesie” sowie an frühere ProgRock Zeiten mit seinen damaligen bekannten Bands Kyrie Eleison und Indigo.

Wo man diese Art Musik nun aber letztendlich einordnen möchte, ist in Wahrheit ziemlich egal, da Geralds musikalische Zielsetzung schon seit längerem abseits jeglicher kommerziellen Klischees und Genre Orientierungen verläuft und dabei aber doch, wie sich bald zeigte, sowohl Anerkennung in Klassik-, wie auch ProgRock- und NewAge/Ambient-Magazinen und Radios findet (das letzte Album “Innocent Wasteland” belegte z.B. auch wieder eine Top 40 Position in den US New Age Radio Charts!).

Gerald Krampls musikalische Karriere begann in früher Jugend mit  klassischem Klavierunterricht und später Musiktheorie am Konservatorium. In den 70er- und 80er-Jahren gründete er zwei Prog-Rock Bands, Kyrie Eleison und Indigo, die in der internationalen Szene viel Beachtung fanden. Gerald spielte Keyboards und komponierte fast alle  Songs und so wurden einige LPs, Singles und CDs erfolgreich veröffentlicht. 1983 gründete er auch die Fa. IndigoMusic, zuerst hauptsächlich um die eigenen Sachen zu vermarkten, aber bald erweiterte sich das auch auf mehrere andere Projekte von Disco bis Folk, die im dann auch schon im eigenen Studio für diverse Plattenfirmen produziert wurden.

Nach einem Rückzug 1992 aus dem Musikgeschäft begann er 1999 wieder, diesmal zusammen mit seiner Frau Hilde, an einem neuen spirituellen musikalischen Projekt zu arbeiten – Agnus Dei. Inspiriert durch ihrer beider jahrelange Beschäftigung mit Reiki (Meister Grad), Runen, Blüten und Meditationsformen, wurden hier ihrer beide Fähigkeiten kombiniert. Esoterische Themen wurden musikalisch durch Geralds entspannender Musik auf den CDs ausgedrückt, ergänzt durch Hildes  Lyrik und Gedichten in den beigelegten CD-Booklets. Doch traurigerweise verstarb Hilde 2002 völlig unerwartet und so wurden die vier Alben und zwei spezielle Reiki-Musik Collections leider erst posthum veröffentlicht – und zwar auf dem dafür eigens gegründeten Sandrose Records Label.

In 2006 folgte eine neue musikalische Herausforderung mit der emotional sehr intensiven Arbeit an einem electronic/klassischen Soundtrack für die Web- und TV-Dokumentation “31Projects”, eine beeindruckende Aufklärungsarbeit über den Holocaust im Zweiten Weltkrieg, frei zu besuchen im Web unter www.31Projects.at . Mit zusätzlicher Musik erweitert erschien dann 2007 auch die CD “31Projects – The Music”.

Irgendwie als Gegenpol zu dieser sehr traurigen und dunklen Musik entstand das nächste Album “Timediver”, veröffentlicht im Winter 2008. Angesiedelt zwischen Elektronik und Prog-Rock in einer Art „Vintage 80er Stil“, ist es am besten mit „Soundtrack zu Filmen im Kopf“ zu beschreiben. Beeinflusst vom frühen Oldfield, Vangelis, Kitaro et., stellt es außerdem eine letzte Reminiszenz an die früheren Prog-Rock Zeiten dar.

Aufgrund des nach wie vor starken Interesses für meditative, therapeutische Musik, produzierte Gerald auch noch nebenbei in 2008 eine Märchen-CD mit bekannten klassischen Märchen (erzählt von Corinna Steinböck), untermalt mit seiner speziell dafür komponierten Musik, mit dem Titel “Es war einmal…”.

Gleichzeitig entstand 2008 auch die Idee für ein neues Solo-Projekt. Aber nun mit der Vornahme ohne Rücksicht auf Kommerzialität oder Genre-Denken heranzugehen, so minimalistisch und elementar  wie möglich zu bleiben (nur Klavier und max. 2 Synth. Streicher Sounds), dafür aber mit zusätzlichen Sound-Effekten dem ganzen ein Soundtrack Feeling zu geben. Ein anderer Punkt war auch, dass die  Musik leicht live reproduzierbar sein sollte, um sie mit einer kleinen klassischen Trio Besetzung eventuell zukünftig auch aufführen zu können. Beeinflusst von Künstlern wie Preisner, Max Richter, Ludovico Einaudi, Erik Satie etc., entstand als Resultat das Album Innocent Wasteland, veröffentlicht im Dezember 2009. Es wurde ein eher melancholisches, nachdenkliches Konzeptalbum über den endlosen Kreislauf von Zerstörung und Wiedererwachen in allen Bereichen, stilmäßig von den meisten Medien irgendwo zwischen Klassik, Minimalismus und Ambient Elektronik eingeordnet. Einiges von der Musik wurde auch gleich wieder für eine Web-Präsentation über das Thema “Behinderung” verwendet, zu sehen unter www.7Minuten.at.

Dieses Solo-Projekt findet seine konsequente Fortsetzung mit dem im Oktober 2010 erschienenen Album “Lighthouse”. Wieder mit demselben Ansatz als Crossover von Klassik, Minimalismus und Ambient, diesmal  allerdings ohne übergeordnetes Thema dahinter, vielmehr fungiert jeder Titel als musikalischer Ausdruck eines von etlichen starken persönlichen Eindrücken, die sich im Laufe des Jahres angesammelt hatten.

]]> http://www.jazzzeit.at/wiener-komponist-gerald-kampl-praesentiert-neues-album-lighthouse/feed/ 0 http://www.jazzzeit.at/saxofour-plays-mozart-die-zaubertroete/ http://www.jazzzeit.at/saxofour-plays-mozart-die-zaubertroete/#comments Wed, 13 Oct 2010 12:39:31 +0000 admin http://www.jazzzeit.at/?p=882 Im Mozartjahr 2006 beschäftigte sich das österreichische Saxofonquartett „SAXOFOUR“ zum zweiten Mal seit 1991 mit Stücken, Arien, Themen des Komponisten und arrangiert diese Begegnung in der schon so bewährten ureigenen saxofourfrischen Vielfalt. Die, vielleicht auch von oben diktierten, Melodien des Wolfgang Amadé bekommen neue Kleider: Packende Rhythmen und originelle, farbige Harmonien – geboren in den Köpfen der vier Komposaxisten.

Der durch Improvisation potenzierte Spielwitz führt mit Sicherheit zu einem einzigartigen Hörerlebnis der Melodien des Salzburger Meisters. Vielleicht tanzt er im Himmel mit und freut sich über die Grüße aus dem Jahr 2006.

Saxofour wurde anlässlich der „Austria Jazz Tage Vöcklabruck 1991“ gegründet. Anfangs schöpfte das Quartett aus dem reichen Fundus der Kompositionsschätze Florian Bramböcks. Bald aber fingen auch die anderen Herren auf ihre äußerst eigene Art und Weise zu komponieren und arrangieren an. Manches Stück wird auch unter Vorgabe kurzer melodischer Motive oder harmonischer Vorgaben direkt von den Vieren in improvisierender Manier entwickelt.

Seit 1991 spielte Saxofour an die 250 Konzerte, präsentierte zum Leidwesen der Anhängerschaft leider erst 1998 die erste CD „Horns Astray“ (PAO 10410) und 2000 im Rahmen einer aufsehenerregenden Weihnachtstournee die CD „Laßt uns froho uhund munter sein“ (PAO 10170). Nicht nur Konzerte, auch aktionistische Events z.B. oberösterreichischer Maler oder französischer Automobilkonzerne werden von Saxofour musikalisch betreut.

Im Sommer 2000 gab es eine mit Schlagzeug (Jojo Mayer), Baßss(Robert Riegler) und Gitarre (Rick Iannacone) erweiterte Besetzung beim Jazzfestival Saalfelden unter der Federführung von Klaus Dickbauers „Horns Astray“.

2001 traf sich Saxofour mit dem österreichischen Vater des Saxophons im Jazz, Hans Koller, bei dessen Geburtstagsfeier im Radiokulturhaus.

Seit 2001 besteht auch im Ausland reges Interesse an der Musik Saxofours, so gab es in diesem Jahr eine Marokko- und Frankreichtournee.

Im Juni 2002 wurde das Album „Vocalizing Reeds“ (PAO 10370) veröffentlicht, welches wieder ausschließlich eigene Kompositionen in einer Mischung von Jazz, Musik österreichischer Wurzeln und anderer ethnischer Einflüsse vereint. Tourneen führten Saxofour 2002 durch Österreich, Belgien und Italien.

Im Juli 2002 fand die Premiere eines Projektes mit Mario Joao bei den Gmundner Festwochen statt, welches im Dezember 2002 dann live aus dem Wiener Jazzclub „Porgy & Bess“ von der EBU (European Broudcast Union) in alle europäischen Länder übertragen wurde. Das zweite Weihnachtsprogramm „Reindeer Games (Emarcy Records, 066 695-2)“ erschien Ende 2002 und wurde 2002/03 auf einer ausgedehnten Tournee durch weihnachtlich geschmückte Konzertsäle präsentiert.

Im März 2003 gab es eine Tournee mit der Percussionlegende Don Alias. Im September 2003 spielte Saxofour, erweitert durch Gerald Preinfalk und den Wiener Pianisten Paul Urbanek, die Musik Urbaneks in einem Konzert und im Studio für die gleichnamige CD „Stream 5“ ein. Auftritte in Wien und beim Salzburger Jazzherbst 2005 folgten.

Die Zusammenarbeit mit Maria Joao wurde im November 2003 bei einigen Konzerten in der Sängerin Heimat Portugal fortgesetzt. Das Projekt kam im April/Mai 2004 wieder nach Österreich, mitsamt einer CD Einspielung für „Universal Music“, welche nach einer ausgedehnten Europatournee im Herbst 2005 erschien.

Ende März 2004 fand die Premiere eines gemeinsamen Projektes mit dem Kinderbuchautor Martin Auer im Wiener Konzerthaus statt, welches 2005 auf Österreichtournee ging (Das Haus in meinem Kopf, CD dazu 2006).

Im November und Dezember 2004 präsentierte Saxofour seine dritte Weihnachts CD auf einer ausgedehnten Tour durch Österreich, Deutschland und die Schweiz.

Maria Joao ist bei dieser Produktion auch bei 4 Liedern vertreten. Im Dezember 2005 erchien eine DVD, welche Videos und Mitschnitte von 1991 bis 2005 beinhaltet, die teilweise von Paul Urbanek in Bild und Ton bearbeitet wurden. Aufgebaut ist diese wie ein Adventkalender und deshalb bei der Weihnachtstour 2005 unter einigen Christbäumen gelandet. 2006 war Saxofour wieder mit Maria Joao unterwegs, bearbeitet wie viele Ensembles auch Mozarts Musik (Die Zaubertröte) und erarbeitete ein neues Programm, welches die Lieblingsfilmmusiken der 4 Herren zum Thema hat. Auf ausgedehnten Tourneen wurde das Programm bei Festivals in Deutschland, der Slowakei, Serbien und Österreich präsentiert. Die CD dazu erschien im Mai 2007. 2009 wurde das Mozart-Programm auf CD aufgenommen, und wird Anfang 2010 erscheinen. Parallel dazu ist das neue Programm „Four and More“ in Planung.

Die Musik der Gitarristin/Singer/Songwriterin ist genre- und generationsübergreifend. Die musikalische Beschreibung – von Denhert selbst geäußert

KJ und ihre Band, The New York Unit, haben in der USA und international bereits viele Festivals als Headliner gespielt, einschließlich des prestigereichen Umbria Jazz Festival in Italien (wo sie nacheinander 8 mal für die komplette Spielzeit eingeladen wurde), The San Jose, Cape Cod and Rochester Jazz Festivals. Natürlich ist sie auch in Blue Note Club, der 55Bar und der Baz Bar (St. Barths) ein gern gesehener musikalischer Gast.

KJ hat nun mittlerweile 8 hochklassige Albumveröffentlichungen seit 1998 auf Ihrem Label Mother Cyclone Records produziert. Seit 2007 ist sie  einer der Frontline Künstler des in New York City stationierten Jazz/World Music Label Motema Music, welches ihre  hoch gelobten Alben Lucky 7, und Dal Vivo a Umbria Jazz  veröffentlichte.

Die Musik, die KJ schreibt, produziert und arrangiert ist immer herausragend. Jetzt hat sie gerade ihr „Album No.9“ fertiggestellt. Eine Produktion, die Einflüsse des Jazz, genauso wie Pop-Klassiker beinhaltet und bei dem sie neues Terrain mit Ihrer Reggae Produktion „Choose your Weapon“ betritt.

Ergänzend zu ihren eigenen Songs, ist sie sehr beliebt für ihre eigene Art der Arrangements von Songs anderer Künstler. „Ich liebe es in den Köpfen der Menschen mit Songs hängen zu bleiben, die jeder kennt aber niemand auf der Welt es in einem Jazz Arrangement erwarten würde, ich spielte meine Version von `Smoke on the Water´ beim Rochester International Jazz Festival in diesem Sommer und der komplette Platz begann zu toben. Jeder lachte und fragte nach der CD. Das war ein Grund, warum ich mich beeilte, dieses Album fertig zu stellen.“

Doch viel mehr war ihr dieses Album auch persönlich sehr wichtig, denn wenn man die Umstände betrachtet, könnte man meinen die 9 wäre die Schicksalszahl von KJ Denhert. Es ist ihr 9. Album, aufgenommen mit 9 Musikern und es enthält 9 Songs. Warum nicht mehr? Weil es nach dem 9. Song einfach fertig war. Es schenkt dem Zuhörer die Freude an KJs Musikalität, Lebensfreude und Sympathie.

Die Grenada-Amerikanerin mit West-Indischen Wurzeln, KJ Denhert, ist in der New Yorker Bronx aufgewachsen. Schon im Alter von 10 Jahren begann sie, ihren ersten Song zu schreiben. Den Ausschlag für sie, sich nur noch auf ihre Musik zu konzentrieren gab der Gewinn des ersten Platzes des „The Mountain Stage New Song Contest“ in 2004, darauf folgte der Gewinn des Kerrville New Folk Song Contests und somit ihre zweite Independent Music Award Nominierung.  2006 kam der Award für „Best Live Performances“ hinzu, sowie in 2008 die Nominierung für ihr Album „Lucky 7“ ebenfalls in der Kategorie „Best Live Performance“.

Das Album erscheint am 19.03.2010.

Der Albumtitel dieser Blue-Note-Compilation ist einer flotten Kriminalkomödie aus dem Jahr 1969 entlehnt, in der sich Michael Caine rasante Verfolgungsjagden im Mini lieferte. Rasant ist auch die vorliegende Zusammenstellung, die demonstriert, über welch hochkarätige Jazzmusiker Italien verfügt. So liefern sich Paolo Fresu und Fabrizio Bosso ein Kopf-an-Kopf-Rennen im Trompetenspiel: Bosso – auch bei High Five federführend – ist sicherlich der temperamentvollere, Fresu jedoch der profundere. Zu den weiteren klangvollen Namen, mit denen dieser abwechslungsreiche Streifzug durch den zeitgenössischen Jazz Italiens aufwartet, gehören Stefano Di Battista, Flavio Boltro und Gianluca Petrella. Doch nicht nur außergewöhnliche Instrumentalisten geben sich hier die Ehre, mit Alice Ricciardi ist auch eine Jazzsängerin von internationalem Format mit von der Partie.

Einer der außergewöhnlichsten Beiträge stammt von der Formation Funk Off, eine Marching Band aus Umbrien, die mit ihrem New-Orleans-Sound à la James Brown schon Festivals in ganz Europa erobert haben. Another brilliant job by Blue Note!

Das Album erscheint am 26.03.2010.

Das letzte Lebenszeichen von Sergio Cammariere hierzulande war die Compilation mit dem fürwahr untertriebenen Titel „Cantautore piccolino”, denn der italienische Sänger, Komponist und Pianist ist ein großartiger Musiker und wundervoller Poet. Mit „Caravone” gibt es nun endlich wieder ein neues Studioalbum, mit dem sich der Mann aus Kalabrien einmal mehr scheinbar mühelos zwischen gediegenen Chansons und feinfühligem Jazz bewegt. Selbst wer kein Italienisch versteht, kann sich der melodramatischen Wucht und dem poetischen Zauber seiner Songs kaum entziehen. Sein leichtes aber ungemein präzises Pianospiel überzeugt bei den 13 neuen und höchst abwechslungsreichen Songs ebenso wie seine sanft-dunkle Stimme. Im letzten Jahr reüssierte Cammariere noch auf dem Jazzfestival in Den Haag und gab in Barcelona im Rahmen eines Songwriterfestivals ein denkwürdiges Klaviersolokonzert.

Außerdem wurde er auf dem Filmfestival in Genua für den Soundtrack zu „Fuori Uso” (Regie: Francesco Prisco) ausgezeichnet. Mit „Carovane” setzt dieser „Cantautore grandissimo” nun seine internationale Karriere mit einem erwartungsgemäß spektakulären Album fort.

Das Album erscheint am 19.03.2010.

Paolo Fresu ist nicht nur der bekannteste italienische Jazztrompeter, sondern zugleich der kommerziell erfolgreichste Jazzmusiker Italiens. Das mag auch daran liegen, dass der knapp 50-jährige Musiker stets mit einer Vielzahl von Projekten beschäftigt ist und einen enormen Output an diversen Alben auf unterschiedlichen Labels verzeichnet. Für Blue Note hat er unter anderem ein fünf Alben umfassendes Projekt auf die Wege gebracht, bei dem jeder Musiker seines Quintetts die Federführung eines Albums übernahm. Neben Kollaborationen mit unterschiedlichen Musikern wie Carla Bley und John Zorn hat Fresu auch schon diverse Soundtracks aufgenommen.

Für den vorliegenden Soundtrack zu dem Film 7/8 (Sette Ottavi) von dem italienischen Regisseur Stefano Landini konnte Paolo Fresu, der in dem Film auch mitspielt, sich ganz auf  den klassischen Jazz konzentrieren. Genau genommen geht es in diesem Spielfilm um das Schicksal italienischer Jazzmusiker und deren Verfolgung während des 2. Weltkriegs im von Nazis besetzten Italien.

Beim Filmfestival im italienischen Salerno wurde „Sette Ottavi” mit dem Best Independent Movie Award ausgezeichnet.

Das Album erscheint am 19.03.2010.

Die amerikanische Jazzsängerin Stacey Kent hat Frankreich fest in ihr Herz geschlossen – und Frankreich wiederum die aparte Sängerin, die gleichwohl bei Kollegen, Kritikern und Fans in den USA und Europa als eine der außergewöhnlichsten Künstlerinnen ihrer Art geschätzt wird. Mit ihrem letzten Album „Breakfast On A Morning Tram“, das im Jahr 2007 zugleich ihr Blue-Note-Debüt markierte, hatte sie in Frankreich Platin erreicht und damit ihren bis dato größten kommerziellen Erfolg erzielt. Von der französischen Kulturministerin war sie im Frühjahr letzten Jahres dafür sogar mit dem Orden für Kunst und Literatur (L’Ordre des Arts et des Lettres) ausgezeichnet worden. Dabei waren auf dem hochgelobten Album lediglich drei Songs in französischer Sprache zu finden: zwei Interpretationen von Serge-Gainsbourg-Chansons sowie „Samba Saravah“ aus dem Claude-Lelouch-Filmklassiker „Ein Mann und eine Frau“. Seit ihrem 1997er Debütalbum „Close Your Eyes“ hatte sich Stacey Kent vor allem als erstklassige Interpretin des Great American Songbook hervorgetan, auf ihrem neuen Album „Raconte-moi…“ widmet sie nun ihr Ausnahmetalent voll und ganz dem französischen Liedgut. Ein Dutzend Kompositionen – von ausgewiesenen Klassikern des Chansons bis hin zu wunderbaren Liedern hierzulande noch recht unbekannter Künstler – hat Stacey Kent ausgewählt und verwandelt diese mit Charme, Finesse und Verve in pointiert-moderne, bisweilen melancholische, doch stets bezaubernde Jazzballaden.

Den Auftakt macht die französische Version von Antonio Carlos Jobims Bossa-Nova-Klassiker „Águas de Março“, den Georges Moustaki 1973 unter dem Titel „Les eaux de Mars“ in Frankreich bekannt gemacht hatte. Unter den Fittichen von Stacey Kent bekommt dieses Lied eine wunderbare Leichtigkeit und ein pastellfarben-instrumentales Gewand. Mit „Jardin d’hiver“, komponiert von Keren Ann und Benjamin Biolay, zwei der führenden Vertreter des Nouvelle Chanson, hatte die inzwischen verstorbene Gesangslegende Henri Salvador im Jahr 2000 ein überraschendes Comeback eingeleitet. Die zarte Interpretation dieses wunderschönen Titels darf durchaus als Hommage an Salvador betrachtet werden. Mit „Au coin du monde“ hat Kent zudem noch ein weiteres Juwel von Keren Ann adaptiert.

Der Titelsong „Raconte-moi“ wie auch das als erste Single auserkorene „La Vénus du Mélo“ stammen von der jungen Sängerin Emilie Satt, die beide Titel exklusiv für Kent schrieb, aber kurioserweise ihre eigenen Songs in englischer Sprache singt. Zu den weiteren jungen Talenten, die allesamt zu erklärten Fans von Stacey Kent gehören und exklusiv für die Amerikanerin ihr Können aufblitzen lassen, zählen Claire Denamur („Mi amor“), Pierre-Dominique Burgaud („Désuets“) und Camille D’Avril, die Kent einige Male mit Begeisterung live erlebt hatte und daraufhin den Songtext zu „Sait-on jamais?“ schrieb, den Jim Tomlinson dann einfühlsam vertonte. Stacey Kent demonstriert mit dieser Auswahl frischer und unverbrauchter Autoren auch ihr Gespür für die Reize und den Reichtum zeitgenössischer Musik mit dem Prädikat made in France.

Zu den weiteren Klassikern auf „Raconte-moi…“ zählen „C’est le Printemps“ (im Original „It Might As Well Be Spring“), ein durch Größen wie Frank Sinatra, Nina Simone und Blossom Dearie im Great American Songbook verewigter Standard, und das durch die legendäre Chansonsängerin Barbara berühmt gewordene „Le mal de vivre“. Zu den Entdeckungen aus der prall gefüllten Schatzkiste französischer Chansons zählen dagegen das aus dem Jahr 1975 stammende „Les vacances au bord de la mer“ von Michel Jonasz und Paul Misrakis „L’etang“, das ursprünglich auf dem Soundtrack des 1958 gedrehten Films „Sans familles“ zu finden war. Umso erstaunlicher ist es, dass die zwölf Songs wie aus einem Guss wirken. Stacey Kent versteht es wie wenige andere Künstlerinnen unserer Zeit, Gefühle in einem Song zu verdichten, eine besondere Stimmung zu erzeugen, ganz so, als wolle sie ihr Publikum ins Vertrauen ziehen, ihm ein Geheimnis mitteilen. Dass ihre wunderbaren Interpretationen in erstklassige Arrangements getaucht sind, dafür trägt vor allem ihr Lebensgefährte Jim Tomlinson die Verantwortung. „Raconte-moi…“, daran besteht nicht der leiseste Zweifel, ist ein weiterer Meilenstein im Schaffen von Stacey Kent, die sich, mühelos zwischen Chanson und Jazz schwebend, ihre ganz eigene, genreübergreifende Kunstgattung frankophiler Klänge geschaffen hat.

Stacey Kent, die ursprünglich aus New Jersey stammt und heute in Colorado lebt, hatte sich schon in jungen Jahren für Jazz begeistert, aber auch für Filmkomödien und Musiker wie Neil Young und Cat Stevens. Nach einem Studium der vergleichenden Literaturwissenschaften an einem New Yorker College ging sie nach London und studierte an der Guildhall School of Music and Drama, wo sie ihren späteren Ehemann und Produzenten, den Jazzsaxophonisten Jim Tomlinson, kennenlernte. Aus dieser Liaison erwuchs ein fruchtbares Künstlergespann, das zu einigen der schönsten Werke geführt hat, die der Jazzgesang des 21. Jahrhunderts bislang hervorgebracht hat. Stacey Kent hat sich dem Great American Songbook mit derselben Hingabe gewidmet wie der brasilianischen Musik, sie hat auf das Schaffen von Fred Astaire und auf die Songkunst von Richard Rodgers ganze Alben verwendet – all das ist auch entsprechend honoriert worden.

In den Jahren 2001 und 2002 wurde Stacey Kent bei den British Jazz Awards zur besten Jazzsängerin gewählt, während „The Lyric“, das Album ihres Mannes, auf dem sie als Sängerin glänzte, bei den BBC Jazz Awards 2008 zum Album des Jahres gekürt wurde. Ihr im Jahr 2003 veröffentlichtes Album „The Boy Next Door“ hatte sich bereits 35 Wochen in den amerikanischen Billboard-Charts gehalten. Der endgültige kommerzielle Durchbruch erfolgte dann mit dem Wechsel zu Blue Note: „Breakfast On The Morning Tram“, zu dem übrigens der Schriftsteller und Booker-Prize-Gewinner Kazuo Ishiguro einige Songtexte beisteuerte, avancierte zum internationalen Bestseller und wurde 2008 für einen Grammy nominiert. Hierzulande steht das Album kurz vor der Auszeichnung mit einem zweiten German Jazz Award – ein Double, das für die sympathische Künstlerin auch in Deutschland der bislang größte Erfolg wäre.

Allein in Frankreich wurden von „Breakfast On A Morning Tram“ mehr als 150.000 Alben verkauft, was eine ausverkaufte Tournee nach sich zog, die in einem umjubelten Konzert im Pariser Olympia gipfelte. Doch Stacey Kents innige Beziehung zu Frankreich, die nun fast zwangsläufig zu „Raconte-moi…“ geführt hat, wurzelt auch in ihrer Familiengeschichte. Bereits ihr Großvater hatte lange Zeit in Paris gelebt. Stacey Kent hat es ihm gleichgetan und selbst enorm viel Zeit in Frankreichs Hauptstadt verbracht. Wie sehr sie die französische Kultur mittlerweile verinnerlicht hat, dafür ist „Raconte-moi…“ ein strahlendes, ja ein superbes Beispiel. Für diese generationsübergreifende musikalische Großtat muss man Stacey Kent einfach ins Herz schließen, selbst wenn man nicht französischen Ursprungs ist.