Faszinierend und schillernd ist die Geschichte des Saxofons, seiner Musik und seiner Interpreten. 1841 wurde es von dem belgischen Instrumentenbauer Adolphe Sax erfunden. Von da an setzte es zu seinem Siegeszug um die ganze Welt an – anfangs noch kritisch beäugt, so war es 1844 niemand Geringerer als Hector Berlioz, der dem Saxofon einen Platz in einem Bläsersextett einräumte und es damit adelte. Andere folgten, der Russe Alexander Glasunow schrieb 1934 sogar ein Konzert für Alt-Saxofon und Streichorchester – genau genommen das bis heute bekannteste Stück eines „klassischen“ Komponisten. Die ganz große Karriere machte das Instrument des Belgiers jedoch im Rahmen der sogenannten Popularmusik, nicht wegzudenken ist es aus Rock und Pop und vor allem natürlich nicht aus dem Jazz.

Ralf Dombrowski, der Autor dieses beim Bärenreiter-Verlag erschienenen Instrumenten-Portraits, hat auf gerade einmal 166 Seiten eine große Menge an Wissen zu Geschichte und Gegenwart des Saxofons zusammengetragen. Doch die durch viele farbige Bilder aufgelockerte Darstellung ist keine trockene Aufzählung von Zahlen, Daten und Fakten. Der Autor erzählt auf eine anregende und unterhaltsame Weise die vielfältigen Beziehungen zwischen verschiedenen Musikern, die sich gegenseitig inspirierten und sich gegenseitig mit neuen Sounds zu übertrumpfen versuchten. Er folgt den Spuren des Saxofons in die Militärkapellen nach New Orleans, in die Clubs und Kneipen, aber auch auf die Konzertbühnen und ins Aufnahmestudio. Der Leser erfährt, wie bahnbrechende Alben – u.a. von Coleman Hawkins, John Coltrane und Jan Garbarek – entstanden und was sie auszeichnet, wie das Instrument funktioniert und welche Bauformen es innerhalb der Saxofon-Familie gibt.

Das Buch ist für all jene geeignet, die sich selbst als Fans des Instruments mit dem unverwechselbaren Klang bezeichnen. Wer im heimischen CD-Schrank eine größere Anzahl von Jazz-Aufnahmen sein Eigen nennt bzw. vielleicht sogar selbst ein Saxofon besitzt und spielt, der wird den Band „Portrait Saxofon“ von Ralf Dombrowski  mit Gewinn lesen. Außerdem gibt Ralf Dombrowski Hinweise für das Erlernen des Saxofon-Spielens – sei es an einer Hochschule oder autodidaktisch. Sogar Tipps für die Entwicklung eines eigenen Stils werden dem Leser auf interessante Art und Weise präsentiert.

Weitere Informationen zum Band:

Ralf Dombrowski: Portrait Saxofon. Kultur • Praxis • Repertoire • Interpreten. ISBN 978-3-7618-1840-4. Bärenreiter-Verlag 2010. 166 Seiten. € 27,50 / CHF 49.50

Versicherungen für Instrumente? – Wer diese Frage in eher ironischer und belächelnder Art und Weise stellt, der weiß schlichtweg nicht Bescheid, um was es hier eigentlich geht. Autoliebhaber versichern ihre „motorischen Juwelen“ in der Garage, Musiker aus Leib und Seele hingegen tragen Sorge für ihre Instrumente und entscheiden sich dafür, diese gut versichern zu lassen.

Jeder Musiker weiß wovon hier gesprochen wird: Wer ein Musikinstrument besitzt, der fasst dieses sprichwörtlich mit Samthandschuhen an. Doch für ein Instrument gut Sorge zu tragen und dieses stets sorgfältig aufzubewahren, schützt keinesfalls vor Abhandenkommen, vor Beschädigung seitens anderer Personen oder gänzlicher Zerstörung. Genau aus diesem Grund entschließen sich immer mehr Musiker dazu, ihre „musikalischen Schätze“ versichern zu lassen. Dabei sehen sich die Versicherungsnehmer einer breit gefächerten Auswahl unterschiedlicher Versicherungsangebote gegenüber – je nachdem ob Sie Ihr Musikinstrument zu Hause aufbewahren bzw. spielen, es mit auf Reisen nehmen oder in Unterkünften wie Pensionen oder Hotels zurücklassen.

Abgesehen von den Lokalitäten, an welchen Sie Ihr Instrument spielen, ist darüber hinaus zwischen Versicherungen für die unterschiedlichsten Musiker zu unterscheiden. Wir präsentieren Ihnen einige davon im Überblick, sodass Sie im Hinblick auf die für Sie und Ihr Instrument passende Versicherung umfassend informiert sind. Wichtig dabei ist jedoch, dass Sie sich unterschiedliche Versicherungen anbieten lassen und diese profund vergleichen. Machen Sie es so wie beim Auto und KFZ Versicherungsvergleich, bei dem Sie sich ebenfalls unterschiedliche Versicherungen anbieten lassen. Entscheiden Sie sich niemals für die erstbeste Versicherung, denn das könnte im Falle eines Versicherungsfalles nicht so gut für Sie ausgehen.

1. Musikinstrumentenversicherung für Privatpersonen: Diese Versicherung inkludiert die Versicherung Ihres Musikinstruments sowie die des nötigen Zubehörs, d.h. Koffer / Taschen, Bögen, Saiten, etc. In diese Versicherung können ebenfalls Leihinstrumente sowie gemietete Instrumente mit aufgenommen werden. Außerdem umfasst diese Versicherung eine sogenannte „All-Gefahren-Deckung“, was bedeutet, dass Ihr Instrument gegen alle Gefahren versichert ist, denen es ausgesetzt ist. Dazu zählen u.a. Herunterfallen, Diebstahl / Raub, Sturz, Abhandenkommen, Transportschaden (im Auto, Flugzeug, Straßenbahn, Bus, Zug, etc.), Liegenlassen.
2. Musikinstrumentenversicherung für Musikstudenten: Wenn Sie als Musikstudent Ihr Instrumenten-Equipment, d.h. Instrument + Zubehör, versichern lassen möchten, dann sollten Sie jetzt unbedingt weiterlesen. Im Gegensatz zur Musikinstrumentenversicherung für Privatpersonen umfasst die „All-Gefahren-Deckung“ bei der Musikinstrumentenversicherung für Musikstudenten zu den bisher genannten zusätzlich Brand, Blitzschlag, Explosion. Sollten Sie beispielsweise Ihr Instrument in der Musikschule bzw. auf der Musikuniversität lagern, dort ein Brand ausbrechen und Ihr Instrument in Folge zerstört werden, so wäre Ihr Instrument dementsprechend gut versichert.
3. Equipment- und Proberaumversicherung: Diese Versicherung inkludiert die Versicherung des vollständigen Bandequipments sowie die des Zubehörs, d.h. Koffer, Taschen, elektronisches Zubehör wie Verstärker, Lichteffekte, etc. Außerdem sind folgende Gefahren in der Versicherung enthalten: Entwendung, Zerstörung, Raub / Diebstahl, Brand, Explosion, Wasser, Verschuldung etwaiger Fälle durch Dritte, Ungeschicklichkeit, usw. Weiters deckt die Versicherung das stationäre Risiko im Proberaum, etwaige Schäden am Equipment bzw. Zubehör durch Kurzschluss, Induktion und Überspannung sowie den Verlust oder die Beschädigung des Equipments während eines Auftritts oder des Transports.

Nach dem großen Erfolg des KATRIN WEBER TRIO hat die Sängerin und Komponistin Katrin Weber im Winter 2009/2010 ein neues Projekt gestartet: Das Jazzduo WEBER+KIRBERG.

Gemeinsam mit dem wunderbaren Gitarristen Thiemo Kirberg erforscht Katrin Weber nun die musikalischen Möglichkeiten der kleinen Besetzung. Das Duo spannt einen Bogen vom Blues über das Great American Songbook des Jazz bis zum brasilianischen Bossa Nova. Grundlage des Repertoires sind Eigenkompositionen von Katrin Weber.

Weber und Kirberg, beide in Deutschland geboren und aufgewachsen, haben sich in Wien gefunden und bald festgestellt, dass sich hier Möglichkeiten für eine inspirierende und erfüllende musikalische Beziehung eröffnen.

Das Duo hat nun Anfang 2010 seinen ersten Tonträger aufgenommen, die CD „The Girl at the Bar“. WEBER singt deutsche und englische Texte, KIRBERG begleitet stets einfühlsam und geschmackvoll – ganz in klassischer Tradition.

Eine Spezialität von Katrin Weber ist die Neuinterpretation von Jazz-Standards, die den Geist der bekannten Stücke auf oft ungewöhnliche und überraschende Weise erfassen. So wird das berühmte „It don’t mean a thing“ zu „Kein Sinn ohne Swing“ oder „Lullaby of Birdland“ zum bezaubernden „Vogellied“.

Vier Liedtexte stammen vom vielfältig begabten Theaterautor und Regisseur Henry Mason, mit dem Katrin Weber eine langjährige Zusammenarbeit – vor allem am Theater – verbindet. Die Eigenkompositionen sind Kernstücke der CD, „The Girl at the Bar“, ein traurig-trotziger Song über die Frau, die an der Bar übrig bleibt, wurde zum Titellied, beim melancholischen „Zu Asche“ hat Weber Masha Kalékos Gedicht „Kommentar überflüssig“ vertont und „My desperate heart“ bringt die ewige Klage über die seh’nsüchtige Liebe in die Form eines wunderbaren Slow Bossa.

Improvisatorische Freiheit und Interaktion sind beiden MuskerInnen ein großes Bedürfnis. Gerade die Duo-Besetzung bietet WEBER+KIRBERG in dieser Hinsicht viel Raum. Die aufgenommenen Songs sind ohne Frage ein Dokument einer gelungenen Zusammenarbeit.

Das intime Zusammenspiel von Gesang und Gitarre stellt in seiner Transparenz eine musikalische Herausforderung dar, die WEBER+KIRBERG bravourös meistern und damit eine CD vorlegen, die beschwingte, berührende und sinnliche Jazzmomente garantiert.

Lineup:
Katrin Weber, Gesang, Komposition
Thiemo Kirberg, Gitarre

Track Listing:
01. Let´s do it (5:14)
02. The Girl at the Bar (3:55)
03. Lonely Town (4:33)
04. Zu Asche (4:24)
05. Gefüllte Zuchini (FrimFram Sauce) (4:11)
06. Traurigkeit, die jeder kennt (4:55)
07. But Not For Me (5:22)
08. Kein Sinn ohne Swing (it don´t mean a thing) (2:45)
09. My Desperate Heart (5:05)
10. Vogellied (Lullaby of Birdland) (3:29)
11. Agua de Beber (3:28)
12. When You Wish Upon A Star (4:34)

“Musikalische Impressionen im Grenzbereich von Klassik, Minimalismus und Ambient.”

Das neue Album LIGHTHOUSE des Wiener Pianisten, Keyboarder und Komponisten Gerald Krampl, versteht sich als konsequente Weiterentwicklung des Stils, den er bereits in seinem letzten Werk “Innocent Wasteland” begonnen hatte. Den nahezu kammermusikalisch aufgebauten Stücken liegt diesmal allerdings kein übergeordnetes Konzept zugrunde, vielmehr handelt es sich um eine Sammlung einzelner sehr persönlicher Impressionen, die sich im Laufe des letzten Jahres ansammelten. So entstand z.B der Titeltrack “Lighthouse” unter dem Eindruck verfallener militärischer Hafenanlagen in Kroatien, “Walking The Last Mile “nach Truman Capote’s “In Cold Blood”, “Nightpearls” in einer mystischen Nacht voller Sternschnuppen oder “The Guiding Light” nach dem entzünden einer Kerze am Friedhof.

Neben dem klassischen Ansatz, Musik für Klavier + max. zwei Streicher zu schreiben, wird dieses relativ minimalistische und sehr ursprüngliche Klangbild aber wieder mit zusätzlichen elektronischen und Natursounds zu intensiven musikalischen Stimmungsbildern erweitert. Und natürlich finden sich auch wiederum etliche Anklänge an Geralds jahrelange Beschäftigung mit spiritueller und meditative Musik mit seinem Agnus Dei Projekt für “Musik & Poesie” sowie an frühere ProgRock Zeiten mit seinen damaligen bekannten Bands Kyrie Eleison und Indigo.

Wo man diese Art Musik nun aber letztendlich einordnen möchte, ist in Wahrheit ziemlich egal, da Geralds musikalische Zielsetzung schon seit längerem abseits jeglicher kommerziellen Klischees und Genre Orientierungen verläuft und dabei aber doch, wie sich bald zeigte, sowohl Anerkennung in Klassik-, wie auch ProgRock- und NewAge/Ambient-Magazinen und Radios findet (das letzte Album “Innocent Wasteland” belegte z.B. auch wieder eine Top 40 Position in den US New Age Radio Charts!).

Gerald Krampls musikalische Karriere begann in früher Jugend mit  klassischem Klavierunterricht und später Musiktheorie am Konservatorium. In den 70er- und 80er-Jahren gründete er zwei Prog-Rock Bands, Kyrie Eleison und Indigo, die in der internationalen Szene viel Beachtung fanden. Gerald spielte Keyboards und komponierte fast alle  Songs und so wurden einige LPs, Singles und CDs erfolgreich veröffentlicht. 1983 gründete er auch die Fa. IndigoMusic, zuerst hauptsächlich um die eigenen Sachen zu vermarkten, aber bald erweiterte sich das auch auf mehrere andere Projekte von Disco bis Folk, die im dann auch schon im eigenen Studio für diverse Plattenfirmen produziert wurden.

Nach einem Rückzug 1992 aus dem Musikgeschäft begann er 1999 wieder, diesmal zusammen mit seiner Frau Hilde, an einem neuen spirituellen musikalischen Projekt zu arbeiten – Agnus Dei. Inspiriert durch ihrer beider jahrelange Beschäftigung mit Reiki (Meister Grad), Runen, Blüten und Meditationsformen, wurden hier ihrer beide Fähigkeiten kombiniert. Esoterische Themen wurden musikalisch durch Geralds entspannender Musik auf den CDs ausgedrückt, ergänzt durch Hildes  Lyrik und Gedichten in den beigelegten CD-Booklets. Doch traurigerweise verstarb Hilde 2002 völlig unerwartet und so wurden die vier Alben und zwei spezielle Reiki-Musik Collections leider erst posthum veröffentlicht – und zwar auf dem dafür eigens gegründeten Sandrose Records Label.

In 2006 folgte eine neue musikalische Herausforderung mit der emotional sehr intensiven Arbeit an einem electronic/klassischen Soundtrack für die Web- und TV-Dokumentation “31Projects”, eine beeindruckende Aufklärungsarbeit über den Holocaust im Zweiten Weltkrieg, frei zu besuchen im Web unter www.31Projects.at . Mit zusätzlicher Musik erweitert erschien dann 2007 auch die CD “31Projects – The Music”.

Irgendwie als Gegenpol zu dieser sehr traurigen und dunklen Musik entstand das nächste Album “Timediver”, veröffentlicht im Winter 2008. Angesiedelt zwischen Elektronik und Prog-Rock in einer Art „Vintage 80er Stil“, ist es am besten mit „Soundtrack zu Filmen im Kopf“ zu beschreiben. Beeinflusst vom frühen Oldfield, Vangelis, Kitaro et., stellt es außerdem eine letzte Reminiszenz an die früheren Prog-Rock Zeiten dar.

Aufgrund des nach wie vor starken Interesses für meditative, therapeutische Musik, produzierte Gerald auch noch nebenbei in 2008 eine Märchen-CD mit bekannten klassischen Märchen (erzählt von Corinna Steinböck), untermalt mit seiner speziell dafür komponierten Musik, mit dem Titel “Es war einmal…”.

Gleichzeitig entstand 2008 auch die Idee für ein neues Solo-Projekt. Aber nun mit der Vornahme ohne Rücksicht auf Kommerzialität oder Genre-Denken heranzugehen, so minimalistisch und elementar  wie möglich zu bleiben (nur Klavier und max. 2 Synth. Streicher Sounds), dafür aber mit zusätzlichen Sound-Effekten dem ganzen ein Soundtrack Feeling zu geben. Ein anderer Punkt war auch, dass die  Musik leicht live reproduzierbar sein sollte, um sie mit einer kleinen klassischen Trio Besetzung eventuell zukünftig auch aufführen zu können. Beeinflusst von Künstlern wie Preisner, Max Richter, Ludovico Einaudi, Erik Satie etc., entstand als Resultat das Album Innocent Wasteland, veröffentlicht im Dezember 2009. Es wurde ein eher melancholisches, nachdenkliches Konzeptalbum über den endlosen Kreislauf von Zerstörung und Wiedererwachen in allen Bereichen, stilmäßig von den meisten Medien irgendwo zwischen Klassik, Minimalismus und Ambient Elektronik eingeordnet. Einiges von der Musik wurde auch gleich wieder für eine Web-Präsentation über das Thema “Behinderung” verwendet, zu sehen unter www.7Minuten.at.

Dieses Solo-Projekt findet seine konsequente Fortsetzung mit dem im Oktober 2010 erschienenen Album “Lighthouse”. Wieder mit demselben Ansatz als Crossover von Klassik, Minimalismus und Ambient, diesmal  allerdings ohne übergeordnetes Thema dahinter, vielmehr fungiert jeder Titel als musikalischer Ausdruck eines von etlichen starken persönlichen Eindrücken, die sich im Laufe des Jahres angesammelt hatten.

]]> http://www.jazzzeit.at/wiener-komponist-gerald-kampl-praesentiert-neues-album-lighthouse/feed/ 0 http://www.jazzzeit.at/saxofour-plays-mozart-die-zaubertroete/ http://www.jazzzeit.at/saxofour-plays-mozart-die-zaubertroete/#comments Wed, 13 Oct 2010 12:39:31 +0000 admin http://www.jazzzeit.at/?p=882 Im Mozartjahr 2006 beschäftigte sich das österreichische Saxofonquartett „SAXOFOUR“ zum zweiten Mal seit 1991 mit Stücken, Arien, Themen des Komponisten und arrangiert diese Begegnung in der schon so bewährten ureigenen saxofourfrischen Vielfalt. Die, vielleicht auch von oben diktierten, Melodien des Wolfgang Amadé bekommen neue Kleider: Packende Rhythmen und originelle, farbige Harmonien – geboren in den Köpfen der vier Komposaxisten.

Der durch Improvisation potenzierte Spielwitz führt mit Sicherheit zu einem einzigartigen Hörerlebnis der Melodien des Salzburger Meisters. Vielleicht tanzt er im Himmel mit und freut sich über die Grüße aus dem Jahr 2006.

Saxofour wurde anlässlich der „Austria Jazz Tage Vöcklabruck 1991“ gegründet. Anfangs schöpfte das Quartett aus dem reichen Fundus der Kompositionsschätze Florian Bramböcks. Bald aber fingen auch die anderen Herren auf ihre äußerst eigene Art und Weise zu komponieren und arrangieren an. Manches Stück wird auch unter Vorgabe kurzer melodischer Motive oder harmonischer Vorgaben direkt von den Vieren in improvisierender Manier entwickelt.

Seit 1991 spielte Saxofour an die 250 Konzerte, präsentierte zum Leidwesen der Anhängerschaft leider erst 1998 die erste CD „Horns Astray“ (PAO 10410) und 2000 im Rahmen einer aufsehenerregenden Weihnachtstournee die CD „Laßt uns froho uhund munter sein“ (PAO 10170). Nicht nur Konzerte, auch aktionistische Events z.B. oberösterreichischer Maler oder französischer Automobilkonzerne werden von Saxofour musikalisch betreut.

Im Sommer 2000 gab es eine mit Schlagzeug (Jojo Mayer), Baßss(Robert Riegler) und Gitarre (Rick Iannacone) erweiterte Besetzung beim Jazzfestival Saalfelden unter der Federführung von Klaus Dickbauers „Horns Astray“.

2001 traf sich Saxofour mit dem österreichischen Vater des Saxophons im Jazz, Hans Koller, bei dessen Geburtstagsfeier im Radiokulturhaus.

Seit 2001 besteht auch im Ausland reges Interesse an der Musik Saxofours, so gab es in diesem Jahr eine Marokko- und Frankreichtournee.

Im Juni 2002 wurde das Album „Vocalizing Reeds“ (PAO 10370) veröffentlicht, welches wieder ausschließlich eigene Kompositionen in einer Mischung von Jazz, Musik österreichischer Wurzeln und anderer ethnischer Einflüsse vereint. Tourneen führten Saxofour 2002 durch Österreich, Belgien und Italien.

Im Juli 2002 fand die Premiere eines Projektes mit Mario Joao bei den Gmundner Festwochen statt, welches im Dezember 2002 dann live aus dem Wiener Jazzclub „Porgy & Bess“ von der EBU (European Broudcast Union) in alle europäischen Länder übertragen wurde. Das zweite Weihnachtsprogramm „Reindeer Games (Emarcy Records, 066 695-2)“ erschien Ende 2002 und wurde 2002/03 auf einer ausgedehnten Tournee durch weihnachtlich geschmückte Konzertsäle präsentiert.

Im März 2003 gab es eine Tournee mit der Percussionlegende Don Alias. Im September 2003 spielte Saxofour, erweitert durch Gerald Preinfalk und den Wiener Pianisten Paul Urbanek, die Musik Urbaneks in einem Konzert und im Studio für die gleichnamige CD „Stream 5“ ein. Auftritte in Wien und beim Salzburger Jazzherbst 2005 folgten.

Die Zusammenarbeit mit Maria Joao wurde im November 2003 bei einigen Konzerten in der Sängerin Heimat Portugal fortgesetzt. Das Projekt kam im April/Mai 2004 wieder nach Österreich, mitsamt einer CD Einspielung für „Universal Music“, welche nach einer ausgedehnten Europatournee im Herbst 2005 erschien.

Ende März 2004 fand die Premiere eines gemeinsamen Projektes mit dem Kinderbuchautor Martin Auer im Wiener Konzerthaus statt, welches 2005 auf Österreichtournee ging (Das Haus in meinem Kopf, CD dazu 2006).

Im November und Dezember 2004 präsentierte Saxofour seine dritte Weihnachts CD auf einer ausgedehnten Tour durch Österreich, Deutschland und die Schweiz.

Maria Joao ist bei dieser Produktion auch bei 4 Liedern vertreten. Im Dezember 2005 erchien eine DVD, welche Videos und Mitschnitte von 1991 bis 2005 beinhaltet, die teilweise von Paul Urbanek in Bild und Ton bearbeitet wurden. Aufgebaut ist diese wie ein Adventkalender und deshalb bei der Weihnachtstour 2005 unter einigen Christbäumen gelandet. 2006 war Saxofour wieder mit Maria Joao unterwegs, bearbeitet wie viele Ensembles auch Mozarts Musik (Die Zaubertröte) und erarbeitete ein neues Programm, welches die Lieblingsfilmmusiken der 4 Herren zum Thema hat. Auf ausgedehnten Tourneen wurde das Programm bei Festivals in Deutschland, der Slowakei, Serbien und Österreich präsentiert. Die CD dazu erschien im Mai 2007. 2009 wurde das Mozart-Programm auf CD aufgenommen, und wird Anfang 2010 erscheinen. Parallel dazu ist das neue Programm „Four and More“ in Planung.

Die Musik der Gitarristin/Singer/Songwriterin ist genre- und generationsübergreifend. Die musikalische Beschreibung – von Denhert selbst geäußert

KJ und ihre Band, The New York Unit, haben in der USA und international bereits viele Festivals als Headliner gespielt, einschließlich des prestigereichen Umbria Jazz Festival in Italien (wo sie nacheinander 8 mal für die komplette Spielzeit eingeladen wurde), The San Jose, Cape Cod and Rochester Jazz Festivals. Natürlich ist sie auch in Blue Note Club, der 55Bar und der Baz Bar (St. Barths) ein gern gesehener musikalischer Gast.

KJ hat nun mittlerweile 8 hochklassige Albumveröffentlichungen seit 1998 auf Ihrem Label Mother Cyclone Records produziert. Seit 2007 ist sie  einer der Frontline Künstler des in New York City stationierten Jazz/World Music Label Motema Music, welches ihre  hoch gelobten Alben Lucky 7, und Dal Vivo a Umbria Jazz  veröffentlichte.

Die Musik, die KJ schreibt, produziert und arrangiert ist immer herausragend. Jetzt hat sie gerade ihr „Album No.9“ fertiggestellt. Eine Produktion, die Einflüsse des Jazz, genauso wie Pop-Klassiker beinhaltet und bei dem sie neues Terrain mit Ihrer Reggae Produktion „Choose your Weapon“ betritt.

Ergänzend zu ihren eigenen Songs, ist sie sehr beliebt für ihre eigene Art der Arrangements von Songs anderer Künstler. „Ich liebe es in den Köpfen der Menschen mit Songs hängen zu bleiben, die jeder kennt aber niemand auf der Welt es in einem Jazz Arrangement erwarten würde, ich spielte meine Version von `Smoke on the Water´ beim Rochester International Jazz Festival in diesem Sommer und der komplette Platz begann zu toben. Jeder lachte und fragte nach der CD. Das war ein Grund, warum ich mich beeilte, dieses Album fertig zu stellen.“

Doch viel mehr war ihr dieses Album auch persönlich sehr wichtig, denn wenn man die Umstände betrachtet, könnte man meinen die 9 wäre die Schicksalszahl von KJ Denhert. Es ist ihr 9. Album, aufgenommen mit 9 Musikern und es enthält 9 Songs. Warum nicht mehr? Weil es nach dem 9. Song einfach fertig war. Es schenkt dem Zuhörer die Freude an KJs Musikalität, Lebensfreude und Sympathie.

Die Grenada-Amerikanerin mit West-Indischen Wurzeln, KJ Denhert, ist in der New Yorker Bronx aufgewachsen. Schon im Alter von 10 Jahren begann sie, ihren ersten Song zu schreiben. Den Ausschlag für sie, sich nur noch auf ihre Musik zu konzentrieren gab der Gewinn des ersten Platzes des „The Mountain Stage New Song Contest“ in 2004, darauf folgte der Gewinn des Kerrville New Folk Song Contests und somit ihre zweite Independent Music Award Nominierung.  2006 kam der Award für „Best Live Performances“ hinzu, sowie in 2008 die Nominierung für ihr Album „Lucky 7“ ebenfalls in der Kategorie „Best Live Performance“.

Das New Yorker Label Motéma startet jetzt auch in Europa im Vertrieb von Music Alliance Membran Hamburg durch!

Im Jahr 2003 wurde das Label Motéma in San Francisco gegründet und ist heute im New Yorker Stadtteil Harlem beheimatet. Jahr für Jahr wächst das Label kontinuierlich unter der Leitung von Jana Herzen.

Bekannte Künstler findet man auf Motéma, die bereits mehrere Awards gewonnen haben. Doch Jana Herzen hält auch ständig Ausschau nach neuen, aus der New Yorker Musikszene stammenden Künstlern, mit denen sie es immer wieder schafft, für großes Aufsehen zu sorgen und sie Schritt für Schritt zum Erfolg zu führen.

In New York ist Motéma zu einer festen Größe gereift und steht dafür, mit Ihren Künstlern ein hohes Maß an herausragenden Produktionen sowie eine Fülle von extravaganten Performances abzuliefern. Im Focus des Labels steht Musik, die verbinden soll, von Herz zu Herz, von Musiker zu Musiker, von Kultur zu Kultur, direkt von der Bühne zu den Zuhörern. Ein hohes Maß an exzellenter Kunst sowie ein großer emotionaler Anspruch und Inhalt sollen transportiert werden.

Motéma hat in seiner erst jungen Geschichte bereits einige mit Awards ausgezeichnete Künstler wie Rufus Reid, Antonio Ciacca, Roni Ben Hur, Ithamara Koorax & Jaurez Moreira, Tessa Souter, Geri Allen, Sertab Erener und Demir Demirkan, Oran Etkin, Charnett Moffet oder KJ Denhert. Und das sind nur einige – jetzt kommt Motéma auch nach Europa und veröffentlicht seine Künstler im Vertrieb von Music Alliance Membran Hamburg!

Das Portico Quartet am Samstag, den 17. Juli 2010 beim palatia jazz Festival im Schlossinnenhof, Bad Bergzabern.

BAD BERGZABERN (SYM) – Das Portico Quartet besteht aus vier jungen Musikern, allesamt Anfang zwanzig, deren Sound nichts ähnelt, was man jemals zuvor gehört hat. Die Bandmitglieder um den Saxophonisten Jack Wylie charakterisieren sich kurzerhand als, “Indie-Band, die „Post-Jazz spielt“. Die Musik klingt leicht, ist eingängig, hypnotisch und durchaus tanzbar. Als eine Band aus Freunden kreieren sie einen kollektiven Sound, der vielfache musikalische Erinnerungen hervorruft und doch wahrhaft neu bleibt. Die einzigartige Mischung aus Loops, lockerem, träumerisch-verspieltem Saxophon, den überirdischen, melodischen Hang Drums (die klanglich am ehesten an karibische Steel Drums erinnern; Hang ist Berndeutsch für Hand), ratterndem Schlagzeug und erdigem Kontrabass verleiht der Musik des Portico Quartets einen unnachahmlichen, exotischen und innovativen Sound. Im Grenzbereich zwischen Jazz, Trip-Hop, Ambient und organischen Sounds folgt die Formation keinen gängigen Songstrukturen, sondern beschwört in ihren Performances ein Ambiente im Geiste von Philip Glass, Steve Reich, Radiohead und e.s.t. und öffnet Tore zu neuen Klangwelten.

Die Bandbreite der Musik vereint dabei den individuellen Erfahrungs- und Ideenreichtum der Ensemblemitglieder: …von peitschenden Wirbeln über gestampfte Grooves, orientalisch anmutende Melodiebögen, zerbrechlichen Ostinatos und einer hymnischen Gesamtheit, die in jeder Komposition neue Nuancen und Facetten offenbart. Die einzigartig atmosphärischen und von eingängigen Melodien geprägten Vibes hat das Portico Quartet feingeschliffen, indem es europaweit auf Straßen und in ungewöhnlichen Räumen musizierte: z.B. in Kirchen, Galerien und Chillout-Bereichen. Wie viele ihrer Fans und Anhänger sind auch sie wie selbstverständlich mit einer globalen Jukebox an Sounds aufgewachsen, die heute jedem Menschen mit Neugier und einer Internetverbindung zur Verfügung steht. Was sie spielen, kann man nicht einfach nur als World, Jazz, Pop, Rock, Roots oder zeitgenössische klassische Musik abgestempelt werden. Das Quartet zieht seine Stärke und Inspiration aus all diesen Genres. Die Jungs verstehen die Macht der Performance und das Potenzial der Musik durch ihre Grundelemente zu kommunizieren: Rhythmus, Harmonie, Melodie und Timbre. Ein Sound, der eine warme, neue Note erklingen lässt, die sogar noch lange nachdem der letzte Track geendet hat, mitschwingt. Mit seiner hypnotischen Performance hat es das Quartet innerhalb weniger Jahre von deren Aktivitäten als Straßenmusiker im Londoner Bezirk South Bank zu einer Nominierung beim Mercury Music Prize und zur Aufnahme eines Albums in den berühmten Abbey Studios gebracht.

Portico Quartet “Isla” (Großbritannien) – Besetzung

Jack Wyllie – saxophones & electronics
Milo Fitzpatrick – double bass
Nick Mulvey – hang drums & percussion
Duncan Bellamy – drums, piano, marimba

Schlossinnenhof – Open Air
Schlossgasse, 76887 Bad Bergzabern
Sa. 17. Juli 2010 | Beginn: 20.00 h | Einlass: 18.00 h
Eintrittskarten ab 23,50 € bis 29,50 €

Jan Garbarek Group feat. Trilok Gurtu am Samstag, den 24. Juli 2010 beim palatia jazz Festival in der Klosterruine Limburg, Bad Dürkheim.

BAD DÜRKHEIM (SYM) – “Es ist ein Rätsel, wenn man darüber nachdenkt“, sinniert Jan Garbarek in einem Interview mit der Internetplattform nordische-musik.de, “ich war 14, ein kleiner Junge in Norwegen, der Radio hörte, nachdem irgendjemand eine Platte von John Coltrane zu einem örtlichen Sender gebracht hatte. Es war Musik aus den USA, gespielt von einem schwarzen Musiker, mit einem ganz anderen Hintergrund. Es hätte nichts Gegensätzlicheres zu meinem damaligen Leben geben können. Aber als ich diese Klänge hörte, erwischte es mich. Diese Musik berührte mich sehr emotional. Rückblickend war diese Begegnung ein Wendepunkt in meinem Leben: denn es heißt, durch Musik gäbe es die Chance ganz tief in einem Menschen etwas zu bewegen.“

Fortan tauchte Garbarek ganz in das hinein, was er von nun an tun wollte und wurde vom Saxophon, “völlig absorbiert.“ Die Musik des Autodidakten, dessen Stil sich weit über die ursprünglichen Einflüsse von Dexter Gordon und John Coltrane hinweg entwickelt hat, weckt auf sehr einfache und doch innige Weise Assoziationen und berührt tiefere Gefühlsebenen. “Unsere Musik bringt uns mit allen Teilen unserer Persönlichkeit in Kontakt – auch mit unseren spirituellen Anteilen, was immer das auch ist.“ All dies vereinigt sich in Garbareks Schaffen: von kongenialen Verbindungen klassischer und traditioneller Musik mit improvisierten Elementen. So enthält sie auch die nicht mit Verzückung zu verwechselnde meditative Kraft, die gerade in seiner Musik vorbildlich wurde. Ein freies und doch melodiöses Spiel, die langsamen Tempi gedämpfter Stimmungen, bevorzugend.

Der britische Guardian schrieb über Garbareks “Dresden-Projekt“: “Der Kontrast zwischen einem dichten, an Jamsessions erinnernden Sound und der liedhaften Schlichtheit der Melodien war schon immer Garbareks magische Mischung, doch diese Version seiner Band besitzt eine geradezu rauschhafte Intensität.“ Jan Garbarek ist Meister einer unglaublich melodieintensiven Musik, die direkt in die Seele eindringt. Weite Klangräume, die von der absoluten Stille bis zum expressiven Ausbruch reichen, strahlen eine ungemeine Ruhe aus, die jedoch keine Sekunde Langeweile bedeutet. Seine Konzerte entwickeln sich höchst organisch in weiten Spannungsbögen. Diese Musik atmet und lässt atmen. Diese Musik klingt einfach und komplex zugleich, ist hymnisch und karg, spielerisch und ernsthaft, versunken und ungemein offen, intensiv statt sentimental.

Beim Internationalen Jazzfestival palatia jazz wird Jan Garbarek unterstützt von seinem langjährigen Wegbegleiter an den Keyboards Rainer Brüninghaus, dem brasilianischen E-Bassisten Yuri Daniel und dem indischen Meistertrommler Trilok Gurtu.

Yuri Daniel, ein in Portugal lebender Brasilianer, dessen bisherige musikalischen Wirkungsstätten von Maria Joãos Band bis hin zum Lisbon Underground Music Ensemble reichen, hilft, die pulsierenden rhythmischen Muster zu verankern. Rainer Brüninghaus, Mitglied der Jan Garbarek Group seit 1988, behält dabei seine bewährte Rolle als aktiver Farbgeber. Sie schaffen ein Klima, in dem sich Garbareks hymnisch-deklamierende und ungeheuer melodischen Soli – befeuert von Gurtus treibender Percussion – voll entfalten können. Mit untrüglichem Gespür für Dichte und Atmosphäre kreiert Garbarek geheimnisvolle Klangwelten, die Spuren in unserem tiefsten Inneren hinterlassen, eine sinnliche Sensation. Der aus Bombay stammende und in Hamburg lebende Percussionist Trilok Gurtu ist ein Wanderer zwischen den Welten. Doch seine Odyssee verlief niemals geradlinig von Punkt A nach Punkt B. Der indische Meisterperkussionist drehte Kreise, spannte Netze, schuf ein dichtes Gewebe von Einflüssen aus verschiedensten Regionen und musikalischen Epochen. Zeitgenössische Begriffe wie Allrounder oder Multitasker erfassen nur höchst unbefriedigend Trilok Gurtus tiefe Spiritualität und sein Einfühlungsvermögen in verschiedene Kulturen. Joe Zawinul, Don Cherry, Bill Evans, Pharoah Sanders, Dave Holland, John McLaughlin, Bill Laswell, Maria João, Gilberto Gil, Annie Lennox, Pat Metheny – um nur einige zu nennen – wurden alle von Triloks brennendem Sinn für Rhythmus angezogen. Nach 1998 und 2008, wo er mit seinen eigenen Formationen auftrat, ist dies der dritte Besuch von Trilok Gurtu beim Internationalen Jazzfestival palatia jazz.

Jan Garbarek feat. Trilok Gurtu “Dresden“ (Norwegen, Indien, Deutschland, Brasilien) – Besetzung

Jan Garbarek – soprano und tenorsaxophones, seljefløyte
Trilok Gurtu – percussion, tabla
Rainer Brüninghaus – piano, keyboards
Yuri Daniel – bass

Klosterruine Limburg – Open Air – inkl. kostenloser Bus
Luitpoldweg, 67098 Bad Dürkheim
Sa. 24. Juli 2010 | Beginn: 21.00 h | Einlass: 18.00 h
Eintrittskarten ab 28,00 € bis 58,00 €

(Urheber Bild 1: Guri Dahl / Urheber Bild 3: Manfred Rinderspacher)

David Murray & The Gwo Ka Masters am Freitag, den 30. Juli 2010 beim palatia jazz Festival vor der Villa Ludwigshöhe, Edenkoben.

EDENKOBEN (SYM) – Als wahrer Kosmopolit ist der 54-jährige David Murray für viele schon jetzt eine Legende: Kein Wunder, dass die Liste von David Murrays Auftritten und Veröffentlichungen endlos scheint, denn schon mit 8 Jahren begann dieser, 1989 mit einem Grammy ausgezeichnete Ausnahmemusiker, seine Karriere. Aktuell erschafft er mit seinen Gwo Ka Masters einen euphorisierenden, unabhängigen Sound, dessen musikalische Wurzeln in der Verbindung westafrikanischer Rhythmen und kreolischer Tradition liegen: Eine empathische Feier der stolzen Vergangenheit der kleinen Antillen innerhalb der Inseln über dem Wind der Karibik und ihrer fesselnden Gegenwart – in Erinnerung an Sklaverei, Unterdrückung und dem Streben nach – auch kultureller – Freiheit und einer eigenständigen Identität. Gepaart mit Funkvibes und Soulgrooves entsteht eine natürliche, organische Symbiose, die energiegeladen und so typisch für Murrays vielfältigen kulturellen Background ist und die den markanten Ton des Saxophonisten in ungewohnte, eigenwillig treibende Rhythmen einbettet. Folgerichtig beschreibt David Murray sein aktuelles Projekt selbst als die Erforschung der Quintessenz seiner eigenen musikalischen Wurzeln: “I wanted to reach out to mother africa!“

Der Gwo Ka ist der Blues der Karibikinsel Guadeloupe, der Schlüssel zu allen musikalischen Aktivitäten, von den traditionellen Gesängen hart arbeitender Bauern über die ersten modernen Jazzbands in den 1960iger Jahren bis hin zum – MTV-unterwanderten – Streetsoul der Jugend. Benannt nach den dabei benutzten Handtrommeln (den Ka Drums) ist der Gwo Ka – wie der Blues der amerikanischen Südstaaten – eine in der Zeit der Sklaverei entstandene Volksmusik: Filigran variierte Polyrhythmen ergeben zusammen mit den Färbungen der verschiedenen Percussioninstrumente die eigenwilligen, pulsierenden Linien. Alles ist auf Bewegung und Tanz ausgerichtet, weshalb man gar nicht vermuten würde, wie klagend die Gesänge vom harten Leben auf der Plantage oder dem noch härteren als entlaufener Sklave auf kreolisch erzählt werden.

Murrays Entdeckung der Kultur und Musik der Insel Guadeloupe führten zur Entstehung der Gwo Ka Masters: Eine Formation, die die Fäden der diversen Einflüsse dieser Kultur aufnimmt, mit der Rückbesinnung auf die Zeit der Sklavenströme von Afrika in die Karibik, und sie thematisch im 21. Jahrhundert etabliert. Die Songtexte stammen dabei unter anderem vom afro-amerikanischen Poeten Ishmael Reed. Schlagzeuger Renzel Merrit zelebrierte einst mit Sylvester den Disco-Funk. Mit den Vokalisten, Percussionisten Klod Kiavue und Francois Ladrezeau, beide aus Guadeloupe, zählen zwei Ausnahmekönner des Gwo Ka zu Murrays Masters, deren Kultur immer schon durch die Verschmelzung französisch-karibisch-afrikanischer Einflüsse geprägt ist. Und obwohl der Guadeloupäer im Kern konservativ, zugleich aber selbstbewusst und etwas rebellisch ist, enden Konflikte oft in einer Melange. Insbesondere dann, wenn es um Musik geht: Hier in einem heißen, homogenen, hypnotischen Stil-Mix.

David Murray & The Gwo Ka Masters “The Devil Tried To Kill Me” (Karibik, Afrika) – Besetzung:

David Murray – tenor saxophone, bass clarinet
Jaribu Shahid – electric bass
Renzel Merrit – drums
Klod Kiavue – ka drums, vocals
Francois Ladrezeau – ka drums, vocals
Rasul Siddik – trumpet
Mingues Murray – guitar

Villa Ludwigshöhe – Open Air
Villastraße, 67480 Edenkoben
Fr. 30. Juli 2010 | Beginn: 21.00 h | Vorprogramm “Lisbeth Quartett”: 19.00 h | Einlass: 18.00 h
Eintrittskarten ab 23,50 € bis 29,50 €