Sie denken, Jazzmusik sei laut, teils schrill und keineswegs entspannend? Dann lassen Sie sich doch von uns vom kompletten Gegenteil überzeugen. Wir von jazzzeit.at haben für Sie die unterschiedlichsten Facetten der wohlklingenden Jazzmusik mal genauer unter die Lupe genommen und getestet, welche musikalischen Besonderheiten diese Art von Musik für uns alle bereit hält. Kommen Sie doch mit uns mit und lernen Sie die Jazzmusik als meditative Wellness- und Entspannungsmusik näher kennen.

Wellness ist wahrer Balsam für Körper, Geist und Seele – so auch atemberaubende sowie sinnliche Jazzmusik. Jazzmusik muss nicht immer nur laut, teils „stürmisch“ im Hinblick auf ihren Klang und Rhythmus sein; Tatsache ist, dass Jazzmusik eine äußerst vielseitige und wandelbare Musikrichtung ist. Gerade dann, wenn es darum geht, für relax-reiche Wellness-Augenblicke die richtige Entspannungs- und Wellnessmusik zu benötigen, dann sollten Jazzmelodien ganz oben auf Ihrer Liste stehen.

Sie werden es womöglich in Ihrem letzten Wellnessurlaub noch nicht bemerkt haben, dass auch immer mehr Wellnesshotels in Ruheräumen zur allgemeinen Jazzmusik mit meditativem und entspannungsreichem Charakter tendieren. Dabei können Sie natürlich nicht Oboen-Klängen oder dergleichen lauschen; vielmehr findet sich im Wellnessurlaub in Wellnesshotels eine neue Form der Jazzmusik wieder – nämlich jene, die mit Panflötenklängen, Streichern, etc. ergänzt wird. Die Panflöte gilt allgemein als eher ruhig und sanft, was sie folglich zu einem äußerst beliebten „Wellness-Instrument“ gemacht hat.

Darüber hinaus ist Wellnessmusik außerdem durch naturalistische Eindrücke in musikalischer Form gekennzeichnet. So ertönen während entspannenden und sanften Wellness-Melodien liebliches Vogelgezwitscher oder ein besänftigendes Rauschen von Meereswellen. Ihren Gedanken können Sie dabei freien Lauf lassen – ganz egal, ob Sie sich dabei in der Sauna, im Dampfbad oder im Ruheraum befinden.

Wellnessmusik gilt also als wahrer Klassiker der allgemeinen Relax- und Entspannungsmusik. Erkennen auch Sie, was es heißt, sanfte Jazz-Klänge in Kombination mit Panflöten-Melodien, Vogelgezwitscher oder Meeresrauschen in Ihre ganz persönliche Wellness-Welt einfließen zu lassen. Ihr Gemüt wird es Ihnen auf jeden Fall dankbar sein.

TiPP: Das Wellness- und Gesundheitsportal Wellnessium.de widmet sich besonders ausführlich dem allgemeinen Spa- und Wellness-Geschehen. Erfahren Sie mehr zur Thematik entspannender Wellnessmusik mit einem Hauch von Jazz sowie beruhigenden Klängen. Eines können wir Ihnen vorweg bereits garantieren: Sie und Ihr Gemüt werden auf jeden Fall sowie in jeder Hinsicht begeistert sein!

Unsere beliebte Reihe der Jazz-Instrumente setzt sich fort: Dieses Mal wollen wir uns die Klarinette näher zu Gemüte führen und mehr über ihre populäre Bedeutung im Rahmen des Jazz erfahren. Erfahren Sie exklusiv bei uns, welche Wichtigkeit die Klarinette im allgemeinen Jazz-Geschehen einnimmt, welche Klarinettisten dieses besondere Instrument großartig geprägt haben und vieles mehr. Kommen Sie mit uns mit und begleiten Sie uns in eine Musikwelt, die jedes Jazz- und Klarinetten-Herz höher schlagen lässt …

Einleitend sei erwähnt, dass die Klarinette ein sogenanntes transponierendes Musikinstrument darstellt. Dies bedeutet, dass es sich hierbei um ein Instrument handelt, dessen gewöhnliche Notation nicht seiner wirklichen und tatsächlichen Tonhöhe entspricht. Stammend aus der Familie der Holzblasinstrumente weist die Klarinette eine vorwiegend zylindrische Bohrung auf. Darüber hinaus ist sie mit einem Mundstück, das sich durch ein einfaches Rohrblatt auszeichnet, ausgestattet.

„Klarinette“ bedeutet übersetzt „kleines Clarino“ – eine Bezeichnung, deren Ursprung sich darin ergründet, dass die Klarinette im hohen Register einen ähnlichen Klang aufweist wie die hohe Clarin-Trompete. So kam es auch, dass die Klarinette im Hinblick auf ihre spezifischen Klang-Charakteristika die Funktion der soeben erwähnten Clarin-Trompete im 18. Jahrhundert einnahm.

Spieler der Klarinette werden als sogenannte Klarinettisten bezeichnet. Sie sind entweder Teil eines sogenannten Jazz-Orchesters oder treten solo auf. Anmerkung: Sollten Sie Interesse an den Klängen sowie den allgemeinen musikalischen Facetten der Klarinette haben, so können Sie in dieses wunderbare Instrument gerne mal hinein schnuppern. Das Jahr 2011 präsentiert Ihnen großartige Neuerscheinungen von CDs und DVDs zum Anhören, Ansehen, Bestaunen und zum Genießen. Erleben Sie traumhafte Klarinetten-Klänge und tauchen Sie ein – in eine musikalische Jazz-Welt, die Sie wahrlich auf Wolke sieben schweben lässt.

Nun aber zurück zur Klarinette als bedeutendes Instrument des Jazz: Genau genommen nahm die Klarinette bereits im frühen Jazz eine besondere und äußerst wichtige Bedeutung ein. Sie galt als zentrales Instrument des generellen Jazz-Geschehens und bildete sich im Laufe der Jahre einen ansehnlichen Ruf als immer populärer werdendes Instrument. Den Höhepunkt ihres Erfolges erreichte die Klarinette im Rahmen der sogenannten Dixieland-Jazz- und Big-Band-Ära der 1930er- sowie 1940er-Jahre, als bedeutende Klarinettisten wie u.a. Artie Shaw, George Lewis, Sidney Bechet und Woody Herman die zur damaligen Zeit wahrlich erfolgreichsten Unterhaltungsmusikgruppen anführten. Von diesem populären Einfluss ausgehend begannen viele junge Menschen damit, das Spielen der Klarinette zu erlernen. Man könnte diesen damaligen Boom des Instruments der Klarinette fast mit dem sagenumwobenen Erfolg der Beatles vergleichen – auch dieser Ansturm brachte viele Menschen dazu, Rockmusik zu machen.

Als in den 1940er-Jahren die Beliebtheit der Big-Bands einen großen Rückschritt machte, verlor auch die Klarinette ihre zentrale Position im Rahmen des Jazz- und allgemeinen Musik-Geschehens. Die Klarinette vertrat zwar nach wie vor ihre Präsenz, galt jedoch nicht mehr als führendes und zentrales Instrument der damaligen Zeit. Genau genommen war es ein anderes Jazz-Instrument, das die Klarinette von Platz 1 verdrängte – nämlich das Saxophon. Obwohl die Klarinette seitens populärer Musiker wie u.a. Tony Scott, John Carter, Perry Robinson oder Buddy DeFranco für sowohl Bebop als auch Free Jazz eingesetzt wurde, gelang es der Klarinette bis heute nicht mehr, ihren alten Stellenwert der damaligen Zeit wieder zu erreichen.

Der Jazz hat zwar seinen Ursprung in den Südstaaten der USA, ist aber trotzdem auf der ganzen Welt populär– und das hat sich bis heute nicht geändert! Sogar in der deutschen bzw. bayerischen Stadt München hat der Jazz-Kult Einzug gehalten. In anderen Worten: In München hat sich eine allseits beliebte Jazz-Szene wahrhaftig „breit gemacht“. Ja, der Jazz ist aus München kaum mehr wegzudenken – schon längst nicht, wenn man bedenkt, wie viele renommierte Jazz-Clubs sich in den letzten Jahren rund um München angesiedelt haben.

Wir vom Team des Jazz-Portals Jazzzeit.at entführen Sie in die Münchner Jazz-Welt und machen mit Ihnen eine kleine Tour durch tolle Jazz-Lokale bzw. –Clubs der Stadt. Vielleicht ist auch für Sie die eine oder andere Jazz-Adresse für Ihren nächsten Jazz-Abend dabei. Lassen Sie sich überraschen.

Zunächst gibt es da mal den Jazz-Club „Unterfahrt“, der schon seit über 30 Jahren einen Jazz-Liebhaber nach dem anderen durch seine tolle Atmosphäre begeistert. So verwöhnt ein ständig neues Jazz-Programm mit Acts aus der internationalen sowie nationalen Jazz-Szene die unzähligen Gäste, die von überall her nach München strömen. Wenn auch Sie sich im Rahmen Ihres München-Aufenthaltes von Jazz-Klassikern wahrhaftig „beleben“ lassen möchten, dann kommen Sie doch in eine günstige Mietwohnung nahe München und spüren Sie Jazz hautnah – und zwar immer, wann Sie wollen sowie während der großartigen Jazz-Wochen, in denen jeder einzelne Tag ein unvergessliches Jazz-Erlebnis bietet.

Auch das Mister B’s hat sich in München zu einem renommierten Jazz-Club entwickelt. Hier haben Sie die Möglichkeit, populäre und weltweit berühmte Jazz-Musiker live mitzuerleben – und das im Rahmen eines glanzvollen Ambientes. Tauchen Sie ein – in ein Publikum, das Sie mitreißt und Ihnen den Jazz in seiner ursprünglichsten Art kennenlernen lässt.

Eine weitere renommierte Jazz-Adresse in München ist die Night Club Bar des Bayerischen Hofs. Der Jazz-Club lädt ein, in exquisiter Brickhouse-Stimmung Musik in Form von Blues, Jazz, Latin oder Soul zu genießen. Dabei lässt das allseits beliebte und stets abwechslungsreiche Programm des Jazz-Clubs jedes Jazz-Herz höher schlagen und verwöhnt das Publikum zudem mit unterschiedlichen Live-Acts, die ein wahres Wohlgefühl sowie eine gemütliche Atmosphäre kreieren.

Neben angesagten Jazz-Clubs zeigen auch Festivals, was der Jazz in München zu bieten hat. So wurde das Jazz Lines Festival, welches im Frühjahr 2009 zum ersten Mal stattfand, ins Leben gerufen. Auch in diesem Jahr, nämlich vom 27. März 2011 bis zum 3. April 2011, beglückt das Jazz Lines Festival wieder zahlreiche Gäste mit den vielseitigen Facetten der zeitgenössischen Jazz-Musik. Im Mittelpunkt des Festivals steht vor allem die breit gefächerte Vielfalt von unterschiedlichen Formen der zeitgenössischen Musik, wobei der Schwerpunkt klar und deutlich auf grenzüberschreitenden sowie innovativen Konzepten zwischen Jazz und neuer bzw. improvisierter Musik liegt.

Wenn auch Sie Jazz vom Feinsten in eindrucksvoller Atmosphäre genießen möchten, dann erkundigen Sie sich doch in München nach genaueren Informationen zu den in diesem Artikel erwähnten Jazz-Clubs. Wir von Jazzzeit.at wünschen Ihnen „jazzige“ und unvergessliche Stunden in München und verbleiben mit lieben Grüßen.

Der in Hamburg lebende Geiger, Komponist und Bildende Künstler Hans-Christian Jaenicke ist ein vielseitiger und eigenwilliger Zeitgenosse. Während seines Studiums u.a. bei der rumänischen Komponistin Violeta Dinescu und dem Chilenen Gustavo Becerra-Schmidt befasst er sich als Geiger intensiv mit Tango argentino, mit der Spielpraxis der Barockgeige, mit freier Improvisation und mit Neuer Musik. Er arbeitet mit Musikern wie dem Dirigenten David Coleman (London), Rachel Evans (Meridian String Quartet/NY), dem Cellisten und Komponisten Graham Waterhouse (London Philharmonic Orchestra) zusammen. Durch die Mitwirkung bei Ur-Aufführungen kommt es zur Begegnung mit einem der wichtigsten Komponisten und Architekten des 20. Jahrhunderts – mit dem 2001 in Paris verstorbenen Iannis Xenakis, der ihn nachhaltig beeindruckt.

2005 erscheint bei Tropical-SONY/BMG seine CD „TANGO 040“, die er mit dem langjährigen Duo-Partner Jörg Siegloch am Akkordeon als DUO diagonal aufgenommen hat. Wer dieses poetische Album noch im Ohr hat, der erinnert sich an jazzige und klangschöne Tango-Balladen, intime Arrangements von Tangoklassikern wie „Malena“ oder der „Balada Para Un Loco“ von Astor Piazzolla.

Mit dem vor kurzem erschienenen Album „Bach Tunes And Free Tango“ zeigt sich Jaenicke mit einem neuen, viel versprechenden Ensemble, dem FLUTTERBAND TRIO und auch mit einem neuen Sound, irgendwo zwischen Piazzolla und Kronos-Quartett. Wieder ist es klangschöner Tango, aber die Grundrichtung hat sich verschoben: Die Harmonien sind härter, die Rhythmen klarer, die Melodiebögen weiter und freier. Die Besetzung diesmal: Der junge Franzose Cyrille Guignard am Piano, dessen Anschlag immer ein wenig die Beschäftigung mit romantischen und impressionistischen Komponisten durchscheinen lässt und am Kontrabass der stilistisch flexible Bernd von Ostrowski, der bereits in den 70er Jahren mit Jazz-Legenden wie Ornette Coleman, Charlie Haden und Don Cherry zusammenarbeitete und darüber hinaus sich mit dem Violone als gefragter Barock-Experte einen Namen gemacht hat. Die Intensität der Musik wird jedoch zum großen Teil  von Jaenicke selbst bestimmt. Er zeigt sich hier als einfallsreicher Erzählkünstler und Magier der Klangfarben, wie man es gerade im Jazz selten findet.

In dieser Zusammensetzung so unterschiedlicher Musiker sind die Klang-Möglichkeiten, die sich diesem Trio bieten, schier unbegrenzt und man hört in jedem Stück den Spaß der drei Musiker, die Facetten der Besetzung durchaus extrem auszuloten. So lässt Guignard am Piano in einem ätherischen Solo die einzelnen Töne der berühmten Bach-Ciaccona ineinander verschwimmen, Jaenicke zieht mit der Violine darüber eine silberfarbene Linie in höchster Höhe, von Ostrowski lässt seinen Kontrabass in archaischen Untiefen einen Tango-Rhythmus pochen – unheimlich und schicksalsschwer. Aus diesem zart-morbiden Klang entwickelt sich plötzlich ein packender Sound. Cubanischer Son, Spielfreude und ausgelassene Dialoge zwischen den Akteuren sprudeln aus den Instrumenten. Immer wieder gehen die drei Virtuosen dabei an die Grenzen des Spielbaren.

Vor der Tango-Legende Carlos Gardel verneigt sich das Trio zweimal auf diesem Album. Der Tango MI BUENOS AIRES QUERIDO wird zusammen mit dem Presto aus Bachs g-moll-Suite zu einer turbulenten Milonga, beiläufig, wie dieses kompositorische Kunststückchen einfach so passiert. Das zweite dem Sänger Gardel gewidmete Stück ist sehr experimentell und trägt den Titel: „FREE I – YO SOY CARLOS GARDEL“. Ausgangsmaterial war hier der Sprachrhythmus der letzten öffentlichen Worte Gardels im Rundfunk, bevor er am 24 Juni 1935 bei einem Flugzeugunglück ums Leben kam. Durch ein freies Kompositionsgeflecht zieht sich dieser Sprach-Rhythmus wie ein roter Faden – lyrische, freitonale Passagen und treibende Tangonuevo-Episoden schaffen ein reizvolles, nicht widerspruchsloses Portrait dieses unnahbaren Menschen „Carlitos“.

Doch schon wechseln wieder die Farben des Flutterband-Trios: Die „C-Dur-Sonate für Violine solo“ von Johann Sebastian Bach erklingt als Tango-Cancion. Als Hauptmotiv dient hier allerdings nicht das Bach’sche Original, sondern das Jagdsignal „SAU TOT“, das wie bei einer Jagd virtuos durch unwegsamste Harmonien getrieben wird. Dieser artistische Witz und die oft grotesken Einfälle, die sich durch das ganze Album ziehen, erfrischen die melancholisch-poetische Grundstimmung und machen diese Musik zu etwas ganz Eigenem bzw. Unverwechselbarem. Wer wissen möchte, wie es mit dem Tango jenseits der Elektroschiene weitergeht, der sollte das Flutterband Trio schon einmal gut im Auge behalten.

CD-Info:

Genre: Tango/Klassik/Weltmusik/Crossover

Ensemble: Flutterband-Trio

Hans-Christian Jaenicke – Violin
Cyrille Guignard – Piano
Bernd von Ostrowski – Doube Bass

Titel: “Bach Tunes And Free Tango”

VÖ: 15.11.2010
edition 46, Best.Nr.: Ed46 46005

Track-Liste:

1 INTRODUCION
quasi Sarabande-Double (BWV 1002, h-moll)

2 TANGO
quasi ADAGIO (BWV 1002, h-moll)

3 TANGO-CANCION
„SAU TOT” quasi LARGO (BWV 1005, C-DUR)

4 TANGO
quasi FUGA (BWV 1001, g-moll)

5 VALSE
quasi SICILIANA (BWV 1001, g-moll)

6 MILONGA
„MI BUENOS AIRES QUERIDO”
quasi PRESTO (BWV 1001, g-moll)

7 FREE III
TANGO A DUE VOCE

8 FREE II
REGGAE FLAVOUR

9 FREE I
„YO SOY CARLOS GARDEL”

10 TANGO Y SON
QUASI CIACCONA (BWV 1004, d-moll)

Weitere Infos unter:

www.flutterband.de
info@duo-diagonal.de

Faszinierend und schillernd ist die Geschichte des Saxofons, seiner Musik und seiner Interpreten. 1841 wurde es von dem belgischen Instrumentenbauer Adolphe Sax erfunden. Von da an setzte es zu seinem Siegeszug um die ganze Welt an – anfangs noch kritisch beäugt, so war es 1844 niemand Geringerer als Hector Berlioz, der dem Saxofon einen Platz in einem Bläsersextett einräumte und es damit adelte. Andere folgten, der Russe Alexander Glasunow schrieb 1934 sogar ein Konzert für Alt-Saxofon und Streichorchester – genau genommen das bis heute bekannteste Stück eines „klassischen“ Komponisten. Die ganz große Karriere machte das Instrument des Belgiers jedoch im Rahmen der sogenannten Popularmusik, nicht wegzudenken ist es aus Rock und Pop und vor allem natürlich nicht aus dem Jazz.

Ralf Dombrowski, der Autor dieses beim Bärenreiter-Verlag erschienenen Instrumenten-Portraits, hat auf gerade einmal 166 Seiten eine große Menge an Wissen zu Geschichte und Gegenwart des Saxofons zusammengetragen. Doch die durch viele farbige Bilder aufgelockerte Darstellung ist keine trockene Aufzählung von Zahlen, Daten und Fakten. Der Autor erzählt auf eine anregende und unterhaltsame Weise die vielfältigen Beziehungen zwischen verschiedenen Musikern, die sich gegenseitig inspirierten und sich gegenseitig mit neuen Sounds zu übertrumpfen versuchten. Er folgt den Spuren des Saxofons in die Militärkapellen nach New Orleans, in die Clubs und Kneipen, aber auch auf die Konzertbühnen und ins Aufnahmestudio. Der Leser erfährt, wie bahnbrechende Alben – u.a. von Coleman Hawkins, John Coltrane und Jan Garbarek – entstanden und was sie auszeichnet, wie das Instrument funktioniert und welche Bauformen es innerhalb der Saxofon-Familie gibt.

Das Buch ist für all jene geeignet, die sich selbst als Fans des Instruments mit dem unverwechselbaren Klang bezeichnen. Wer im heimischen CD-Schrank eine größere Anzahl von Jazz-Aufnahmen sein Eigen nennt bzw. vielleicht sogar selbst ein Saxofon besitzt und spielt, der wird den Band „Portrait Saxofon“ von Ralf Dombrowski  mit Gewinn lesen. Außerdem gibt Ralf Dombrowski Hinweise für das Erlernen des Saxofon-Spielens – sei es an einer Hochschule oder autodidaktisch. Sogar Tipps für die Entwicklung eines eigenen Stils werden dem Leser auf interessante Art und Weise präsentiert.

Weitere Informationen zum Band:

Ralf Dombrowski: Portrait Saxofon. Kultur • Praxis • Repertoire • Interpreten. ISBN 978-3-7618-1840-4. Bärenreiter-Verlag 2010. 166 Seiten. € 27,50 / CHF 49.50

Versicherungen für Instrumente? – Wer diese Frage in eher ironischer und belächelnder Art und Weise stellt, der weiß schlichtweg nicht Bescheid, um was es hier eigentlich geht. Autoliebhaber versichern ihre „motorischen Juwelen“ in der Garage, Musiker aus Leib und Seele hingegen tragen Sorge für ihre Instrumente und entscheiden sich dafür, diese gut versichern zu lassen.

Jeder Musiker weiß wovon hier gesprochen wird: Wer ein Musikinstrument besitzt, der fasst dieses sprichwörtlich mit Samthandschuhen an. Doch für ein Instrument gut Sorge zu tragen und dieses stets sorgfältig aufzubewahren, schützt keinesfalls vor Abhandenkommen, vor Beschädigung seitens anderer Personen oder gänzlicher Zerstörung. Genau aus diesem Grund entschließen sich immer mehr Musiker dazu, ihre „musikalischen Schätze“ versichern zu lassen. Dabei sehen sich die Versicherungsnehmer einer breit gefächerten Auswahl unterschiedlicher Versicherungsangebote gegenüber – je nachdem ob Sie Ihr Musikinstrument zu Hause aufbewahren bzw. spielen, es mit auf Reisen nehmen oder in Unterkünften wie Pensionen oder Hotels zurücklassen.

Abgesehen von den Lokalitäten, an welchen Sie Ihr Instrument spielen, ist darüber hinaus zwischen Versicherungen für die unterschiedlichsten Musiker zu unterscheiden. Wir präsentieren Ihnen einige davon im Überblick, sodass Sie im Hinblick auf die für Sie und Ihr Instrument passende Versicherung umfassend informiert sind. Wichtig dabei ist jedoch, dass Sie sich unterschiedliche Versicherungen anbieten lassen und diese profund vergleichen. Machen Sie es so wie beim Auto und KFZ Versicherungsvergleich, bei dem Sie sich ebenfalls unterschiedliche Versicherungen anbieten lassen. Entscheiden Sie sich niemals für die erstbeste Versicherung, denn das könnte im Falle eines Versicherungsfalles nicht so gut für Sie ausgehen.

1. Musikinstrumentenversicherung für Privatpersonen: Diese Versicherung inkludiert die Versicherung Ihres Musikinstruments sowie die des nötigen Zubehörs, d.h. Koffer / Taschen, Bögen, Saiten, etc. In diese Versicherung können ebenfalls Leihinstrumente sowie gemietete Instrumente mit aufgenommen werden. Außerdem umfasst diese Versicherung eine sogenannte „All-Gefahren-Deckung“, was bedeutet, dass Ihr Instrument gegen alle Gefahren versichert ist, denen es ausgesetzt ist. Dazu zählen u.a. Herunterfallen, Diebstahl / Raub, Sturz, Abhandenkommen, Transportschaden (im Auto, Flugzeug, Straßenbahn, Bus, Zug, etc.), Liegenlassen.
2. Musikinstrumentenversicherung für Musikstudenten: Wenn Sie als Musikstudent Ihr Instrumenten-Equipment, d.h. Instrument + Zubehör, versichern lassen möchten, dann sollten Sie jetzt unbedingt weiterlesen. Im Gegensatz zur Musikinstrumentenversicherung für Privatpersonen umfasst die „All-Gefahren-Deckung“ bei der Musikinstrumentenversicherung für Musikstudenten zu den bisher genannten zusätzlich Brand, Blitzschlag, Explosion. Sollten Sie beispielsweise Ihr Instrument in der Musikschule bzw. auf der Musikuniversität lagern, dort ein Brand ausbrechen und Ihr Instrument in Folge zerstört werden, so wäre Ihr Instrument dementsprechend gut versichert.
3. Equipment- und Proberaumversicherung: Diese Versicherung inkludiert die Versicherung des vollständigen Bandequipments sowie die des Zubehörs, d.h. Koffer, Taschen, elektronisches Zubehör wie Verstärker, Lichteffekte, etc. Außerdem sind folgende Gefahren in der Versicherung enthalten: Entwendung, Zerstörung, Raub / Diebstahl, Brand, Explosion, Wasser, Verschuldung etwaiger Fälle durch Dritte, Ungeschicklichkeit, usw. Weiters deckt die Versicherung das stationäre Risiko im Proberaum, etwaige Schäden am Equipment bzw. Zubehör durch Kurzschluss, Induktion und Überspannung sowie den Verlust oder die Beschädigung des Equipments während eines Auftritts oder des Transports.

“Songs of Hope Desperation and Love”, das neue Soloalbum von Frank Schwinn, ist ein klassisches Trennungsalbum, wobei sich der Großteil der Songs mit den Jahren nach der Trennung einer langjährigen Beziehung beschäftigt und mit den Wirrungen eines Mannes, der sich emotional eingebunkert hat und doch auf flüchtige Affären nicht verzichten kann.

Die Songs sind wütend, sarkastisch, desillusioniert, teils voller Wahnsinn, teils voller Melancholie und nie ohne Selbstironie. Und so auch der Gesang.

“Much too beautiful” ist dann der Song, der den Kreis der Neufindung schließt und uns versöhnlich stimmt, deutet er doch auf eine neue emotionale Heimat hin.

Musikalisch ist das Album geprägt vom Blues, großteils gespielt auf einer billigen 3-saitigen “cigar box slide guitar”, live im Wohnzimmer aufgenommen – und zwar innerhalb zweier Wochen auf analogem Equipment bis hin zur Bandmaschine. Auf den Songs “much too beautiful”, “living in this country” und “don’t stifle me” kommt noch eine alte Drum-Maschine zum Einsatz, die der CD auch die Undergroundfärbung verleiht.

Wie man es von Frank Schwinn gewohnt ist, groovt die ganze Sache dabei minimalistisch, aber gehörig!

Frank Schwinn studierte an der Anton Bruckner Universität, Linz, von 1989-1993, lebte in Wien von 1993-2001 und spielte mit Uli Rennert, Vienna Art Orchestra, Zach Danziger, Harry Sokal, Gunther Schuller, Bob Berg, Uli Soyka Pan-Tau-X, Upper Austrian Jazz Orchestra etc.

Track Listing:
01. More Time to Hang Around (3:16)
02. No Baby Blues (3:17)
03. Much too Beautiful (4:26)
04. Go Down to the River (4:05)
05. Why Do You Accuse Me (3:05)
06. Living in this Country (4:57)
07. Devil Woman (2:50)
08. Christmas Blues (3:56)
09. Don´t Stifle Me (2:51)
10. You Gotta Quit Him (4:28)
11. Monkey on My Back (3:10)
12. Troubled Man (4:15)
13. In Love with a Woman (4:02)

Nach dem großen Erfolg des KATRIN WEBER TRIO hat die Sängerin und Komponistin Katrin Weber im Winter 2009/2010 ein neues Projekt gestartet: Das Jazzduo WEBER+KIRBERG.

Gemeinsam mit dem wunderbaren Gitarristen Thiemo Kirberg erforscht Katrin Weber nun die musikalischen Möglichkeiten der kleinen Besetzung. Das Duo spannt einen Bogen vom Blues über das Great American Songbook des Jazz bis zum brasilianischen Bossa Nova. Grundlage des Repertoires sind Eigenkompositionen von Katrin Weber.

Weber und Kirberg, beide in Deutschland geboren und aufgewachsen, haben sich in Wien gefunden und bald festgestellt, dass sich hier Möglichkeiten für eine inspirierende und erfüllende musikalische Beziehung eröffnen.

Das Duo hat nun Anfang 2010 seinen ersten Tonträger aufgenommen, die CD „The Girl at the Bar“. WEBER singt deutsche und englische Texte, KIRBERG begleitet stets einfühlsam und geschmackvoll – ganz in klassischer Tradition.

Eine Spezialität von Katrin Weber ist die Neuinterpretation von Jazz-Standards, die den Geist der bekannten Stücke auf oft ungewöhnliche und überraschende Weise erfassen. So wird das berühmte „It don’t mean a thing“ zu „Kein Sinn ohne Swing“ oder „Lullaby of Birdland“ zum bezaubernden „Vogellied“.

Vier Liedtexte stammen vom vielfältig begabten Theaterautor und Regisseur Henry Mason, mit dem Katrin Weber eine langjährige Zusammenarbeit – vor allem am Theater – verbindet. Die Eigenkompositionen sind Kernstücke der CD, „The Girl at the Bar“, ein traurig-trotziger Song über die Frau, die an der Bar übrig bleibt, wurde zum Titellied, beim melancholischen „Zu Asche“ hat Weber Masha Kalékos Gedicht „Kommentar überflüssig“ vertont und „My desperate heart“ bringt die ewige Klage über die seh’nsüchtige Liebe in die Form eines wunderbaren Slow Bossa.

Improvisatorische Freiheit und Interaktion sind beiden MuskerInnen ein großes Bedürfnis. Gerade die Duo-Besetzung bietet WEBER+KIRBERG in dieser Hinsicht viel Raum. Die aufgenommenen Songs sind ohne Frage ein Dokument einer gelungenen Zusammenarbeit.

Das intime Zusammenspiel von Gesang und Gitarre stellt in seiner Transparenz eine musikalische Herausforderung dar, die WEBER+KIRBERG bravourös meistern und damit eine CD vorlegen, die beschwingte, berührende und sinnliche Jazzmomente garantiert.

Lineup:
Katrin Weber, Gesang, Komposition
Thiemo Kirberg, Gitarre

Track Listing:
01. Let´s do it (5:14)
02. The Girl at the Bar (3:55)
03. Lonely Town (4:33)
04. Zu Asche (4:24)
05. Gefüllte Zuchini (FrimFram Sauce) (4:11)
06. Traurigkeit, die jeder kennt (4:55)
07. But Not For Me (5:22)
08. Kein Sinn ohne Swing (it don´t mean a thing) (2:45)
09. My Desperate Heart (5:05)
10. Vogellied (Lullaby of Birdland) (3:29)
11. Agua de Beber (3:28)
12. When You Wish Upon A Star (4:34)

Sie lieben Kreuzfahrten und sind zudem ein begeisterter Jazz-Liebhaber? Haben Sie schon mal daran gedacht, eine Kreuzfahrt zu unternehmen, bei dem die abendliche Unterhaltung mit legendärer Jazz-Musik gestaltet wird? Wenn nicht, dann ist dieser Artikel mit Sicherheit interessant für Sie: Wir werden Sie ausführlich beraten, wie Sie Ihre beiden Vorlieben perfekt unter einen Hut bekommen …

Besonders großer Beliebtheit erfreuen sich Donaukreuzfahrten. Die Donau ist der zweitgrößte Fluss Europas, 2.415 Kilometer lang und ebenfalls für größere Schiffe, wie Kreuzfahrtschiffe, befahrbar. Wie wäre es also, die Donau entlang zu schippern, interessante Städte zu besichtigen, mehr über deren Kultur und Sehenswürdigkeiten zu erfahren und die einzelnen Abende bei einem festlichen Dinner mit traumhafter Begleitmusik im Sinne von Jazz ausklingen zu lassen? Eine tolle Vorstellung, die auch für Sie wahr werden kann.

Durch den sogenannten Rhein-Main-Donau-Kanal ist es möglich, eine ununterbrochene Schiffsverbindung zwischen dem Schwarzen Meer und der Nordsee zu erleben. Dabei repräsentiert die Donau den stärksten Strom überhaupt, der nicht wunderbar zu befahren ist, sondern zudem Sehenswertes zu bieten hat. Ganz egal ob Linz, Passau, Krems, Wien, Budapest oder Belgrad – jede einzelne Stadt, in welcher während der jeweiligen Donaukreuzfahrt Halt gemacht wird, präsentiert sich von ihrer allerbesten Seite. Spektakuläre Eindrücke, großartige Kulturen, malerische Gassen und traumhafte Landschaften sind nur einige jener Bilder, die Sie durch eine unvergessliche Donaukreuzfahrt mit nach Hause nehmen.

Sofern Sie an einer Donaukreuzfahrt interessiert sind, so empfehlen wir an dieser Stelle, sich im jeweiligen Schifffahrtsbüro ausführlich beraten zu lassen. Bedenken Sie, dass Donaukreuzfahrt nicht gleich Donaukreuzfahrt ist. Die einzelnen Kreuzfahrten unterscheiden sich im Rahmen ihres allgemeinen Programms, was bedeutet, dass die Schiffe unterschiedliche Städte anfahren. Liegt es Ihnen beispielsweise am Herzen, in Passau, Krems und Wien Halt zu machen, so empfehlen wir, Ihren Wunsch direkt im Schifffahrtsbüro vorzubringen. Der / Die Zuständige wird Ihnen dann gerne Auskunft geben, ob eine derartige Donaukreuzfahrt verfügbar ist. Erkundigen Sie sich zudem auch nach dem jeweiligen Abendprogramm. Nicht jede Donaukreuzfahrt hat Jazz-Bands in ihr Programm eingegliedert. Lassen Sie sich auch im Hinblick auf dieses Detail umfassend beraten.

Nun zurück zur eigentlichen Donaukreuzfahrt: Zahlreiche alte Klöster und Kirchen, sehenswerte Schlösser, unberührte Naturlandschaften sowie wildromantische Berge und Täler zeichnen die Donau in den österreichischen Gebieten. Genießen Sie im Rahmen Ihrer Kreuzfahrt eine Reise durch Österreich und andere Städte, wie Sie es zuvor noch nie erlebt haben – nämlich im Sinne eines genauen Beobachtens der glänzenden Naturvielfalt, der ohnehin zu wenig Beachtung geschenkt wird. Eine Donaukreuzfahrt präsentiert Ihnen dahingehend die Möglichkeit, auf winzige, jedoch ausschlaggebende und ganz besondere Details im Hinblick auf die Natur zu achten.

Lassen Sie nach einem besichtigungsreichen Tag Ihren Körper in Ihrer Kabine erstmals zur Ruhe kommen und die gesammelten Eindrücke langsam auf sich einwirken. Dann haben Sie wieder reichlich Energie, um das abschließende Gourmetdinner in vollen Zügen genießen zu können. Die begleitende Jazz-Band wird hierbei für eine traumhafte und entspannende Untermalung an den jeweiligen Abenden sorgen. Sie werden nach Ihrem Dinner auch die Möglichkeit haben, Ihr „jazziges“ Tanzbein zu schwingen.
Wir wünschen Ihnen eine traumhafte und jazzreiche Donaukreuzfahrt und verbleiben mit jazzigen Grüßen. – Ihr Jazzzeit.at-Team

“Musikalische Impressionen im Grenzbereich von Klassik, Minimalismus und Ambient.”

Das neue Album LIGHTHOUSE des Wiener Pianisten, Keyboarder und Komponisten Gerald Krampl, versteht sich als konsequente Weiterentwicklung des Stils, den er bereits in seinem letzten Werk “Innocent Wasteland” begonnen hatte. Den nahezu kammermusikalisch aufgebauten Stücken liegt diesmal allerdings kein übergeordnetes Konzept zugrunde, vielmehr handelt es sich um eine Sammlung einzelner sehr persönlicher Impressionen, die sich im Laufe des letzten Jahres ansammelten. So entstand z.B der Titeltrack “Lighthouse” unter dem Eindruck verfallener militärischer Hafenanlagen in Kroatien, “Walking The Last Mile “nach Truman Capote’s “In Cold Blood”, “Nightpearls” in einer mystischen Nacht voller Sternschnuppen oder “The Guiding Light” nach dem entzünden einer Kerze am Friedhof.

Neben dem klassischen Ansatz, Musik für Klavier + max. zwei Streicher zu schreiben, wird dieses relativ minimalistische und sehr ursprüngliche Klangbild aber wieder mit zusätzlichen elektronischen und Natursounds zu intensiven musikalischen Stimmungsbildern erweitert. Und natürlich finden sich auch wiederum etliche Anklänge an Geralds jahrelange Beschäftigung mit spiritueller und meditative Musik mit seinem Agnus Dei Projekt für “Musik & Poesie” sowie an frühere ProgRock Zeiten mit seinen damaligen bekannten Bands Kyrie Eleison und Indigo.

Wo man diese Art Musik nun aber letztendlich einordnen möchte, ist in Wahrheit ziemlich egal, da Geralds musikalische Zielsetzung schon seit längerem abseits jeglicher kommerziellen Klischees und Genre Orientierungen verläuft und dabei aber doch, wie sich bald zeigte, sowohl Anerkennung in Klassik-, wie auch ProgRock- und NewAge/Ambient-Magazinen und Radios findet (das letzte Album “Innocent Wasteland” belegte z.B. auch wieder eine Top 40 Position in den US New Age Radio Charts!).

Gerald Krampls musikalische Karriere begann in früher Jugend mit  klassischem Klavierunterricht und später Musiktheorie am Konservatorium. In den 70er- und 80er-Jahren gründete er zwei Prog-Rock Bands, Kyrie Eleison und Indigo, die in der internationalen Szene viel Beachtung fanden. Gerald spielte Keyboards und komponierte fast alle  Songs und so wurden einige LPs, Singles und CDs erfolgreich veröffentlicht. 1983 gründete er auch die Fa. IndigoMusic, zuerst hauptsächlich um die eigenen Sachen zu vermarkten, aber bald erweiterte sich das auch auf mehrere andere Projekte von Disco bis Folk, die im dann auch schon im eigenen Studio für diverse Plattenfirmen produziert wurden.

Nach einem Rückzug 1992 aus dem Musikgeschäft begann er 1999 wieder, diesmal zusammen mit seiner Frau Hilde, an einem neuen spirituellen musikalischen Projekt zu arbeiten – Agnus Dei. Inspiriert durch ihrer beider jahrelange Beschäftigung mit Reiki (Meister Grad), Runen, Blüten und Meditationsformen, wurden hier ihrer beide Fähigkeiten kombiniert. Esoterische Themen wurden musikalisch durch Geralds entspannender Musik auf den CDs ausgedrückt, ergänzt durch Hildes  Lyrik und Gedichten in den beigelegten CD-Booklets. Doch traurigerweise verstarb Hilde 2002 völlig unerwartet und so wurden die vier Alben und zwei spezielle Reiki-Musik Collections leider erst posthum veröffentlicht – und zwar auf dem dafür eigens gegründeten Sandrose Records Label.

In 2006 folgte eine neue musikalische Herausforderung mit der emotional sehr intensiven Arbeit an einem electronic/klassischen Soundtrack für die Web- und TV-Dokumentation “31Projects”, eine beeindruckende Aufklärungsarbeit über den Holocaust im Zweiten Weltkrieg, frei zu besuchen im Web unter www.31Projects.at . Mit zusätzlicher Musik erweitert erschien dann 2007 auch die CD “31Projects – The Music”.

Irgendwie als Gegenpol zu dieser sehr traurigen und dunklen Musik entstand das nächste Album “Timediver”, veröffentlicht im Winter 2008. Angesiedelt zwischen Elektronik und Prog-Rock in einer Art „Vintage 80er Stil“, ist es am besten mit „Soundtrack zu Filmen im Kopf“ zu beschreiben. Beeinflusst vom frühen Oldfield, Vangelis, Kitaro et., stellt es außerdem eine letzte Reminiszenz an die früheren Prog-Rock Zeiten dar.

Aufgrund des nach wie vor starken Interesses für meditative, therapeutische Musik, produzierte Gerald auch noch nebenbei in 2008 eine Märchen-CD mit bekannten klassischen Märchen (erzählt von Corinna Steinböck), untermalt mit seiner speziell dafür komponierten Musik, mit dem Titel “Es war einmal…”.

Gleichzeitig entstand 2008 auch die Idee für ein neues Solo-Projekt. Aber nun mit der Vornahme ohne Rücksicht auf Kommerzialität oder Genre-Denken heranzugehen, so minimalistisch und elementar  wie möglich zu bleiben (nur Klavier und max. 2 Synth. Streicher Sounds), dafür aber mit zusätzlichen Sound-Effekten dem ganzen ein Soundtrack Feeling zu geben. Ein anderer Punkt war auch, dass die  Musik leicht live reproduzierbar sein sollte, um sie mit einer kleinen klassischen Trio Besetzung eventuell zukünftig auch aufführen zu können. Beeinflusst von Künstlern wie Preisner, Max Richter, Ludovico Einaudi, Erik Satie etc., entstand als Resultat das Album Innocent Wasteland, veröffentlicht im Dezember 2009. Es wurde ein eher melancholisches, nachdenkliches Konzeptalbum über den endlosen Kreislauf von Zerstörung und Wiedererwachen in allen Bereichen, stilmäßig von den meisten Medien irgendwo zwischen Klassik, Minimalismus und Ambient Elektronik eingeordnet. Einiges von der Musik wurde auch gleich wieder für eine Web-Präsentation über das Thema “Behinderung” verwendet, zu sehen unter www.7Minuten.at.

Dieses Solo-Projekt findet seine konsequente Fortsetzung mit dem im Oktober 2010 erschienenen Album “Lighthouse”. Wieder mit demselben Ansatz als Crossover von Klassik, Minimalismus und Ambient, diesmal  allerdings ohne übergeordnetes Thema dahinter, vielmehr fungiert jeder Titel als musikalischer Ausdruck eines von etlichen starken persönlichen Eindrücken, die sich im Laufe des Jahres angesammelt hatten.

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